Biografía de Compositores

                                             Biografía de Compositores

MONTEVERDI, Claudio (1567)

Biografía

            Nació en 1567 en Cremona, Lombardia, murió en Venecia.

            Monteverde fue un compositor, gambista, cantante y sacerdote italiano católico.

           El trabajo de menudo considerado como revolucionario, marcó la transición del estilo renacentista de la música al de periodo Barroco. Desarrollo dos estilos individuales de composición: el patrimonio de la polifonía renacentista y la nueva técnica continúa del barroco. Monteverdi escribió una de las primeras óperas, “L’Orfeo, una obra innovadora que es la ópera más antigua que aún se realiza con regularidad. Fue reconocido como un compositor innovador y disfrutó de una fama considerable en su vida.                                                          

FERRABOSCO (II), Alfonso (1578)

Biografía

           Alfonso Ferrabosco fue un compositor y músico de la corte Inglés, era hijo de Alfonso Ferrabosco el más joven (1628), fue probablemente el Maestro Alfonso Ferrabosco, que cantó en un Hymencei en la Noche de Reyes 1605, que motivo del matrimonios de Robert, conde de Essex, con lady Francés, hija del conde de Suffolk, Sucedió  a su padre como una de los “viola” en la banda del rey en marzo de 1627-8, y, junto con su herbario Henry, fue nombrado para el puesto de músico en común los dos hermanos probablemente celebraron conjuntamente el cargo de compositor en común (véase más adelante).

           Alfonso murió en 1652 y fue enterrado en la iglesia de Santa Margarita, Westminster, el 14 de julio de 1652. Su hermano Henry Ferrabosco murió alrededor de 1652, y si puesto compartido como música, fue ocupado por Thomas Bates, quien parece tener obtenida por la división del trabajo practicada por sus antecesores, ya que se de L 50 y L 40 al años. Los hermanos fueron sucedidos en el puesto de compositor común.

          Cuatro piezas para violas por él, algunos de los cuales son llamados Inglés nomina, se conservan en Addit. 2942 manuscrito, en el que se distingue de su padre por la adición de su bálteo. Entre los manuscritos de la catedral de Ely es un himno. Levántescritos Dios, la completa parte de la cual se atribuye a un Ferrabosco Alfonso, y los versos porciones a Lawes. La tercera Ferrabosco es el que más cercano se encuentra en el punto de tiempo para Lawes, y por lo tanto podemos concluir que en este himno tenemos un trabajo por él. No otra composición de su es conocida.                       

LAWES, William (1602)

Biografía

         Hijo de un vicario laico en la catedral de Salisgury, mostró (al igual que su hermano mayor, Henry Lawes) promesa musical a cualquier edad temprana. Él encontró un mecenas a principios de Edward Seymour, conde de Hertford, que trajo el coro joven a su estado en Witshire a  estudiar música con su maestro de música privada, el famoso Coprario Juan. William probable que se reunió con el futuro rey Carlos I (1625 – 1649) a través de Coprario. William y su merqué mano fueron ambos llamados música “en común de los laúdes y las voces” para la corte de Carlos, el honor llegó a William 1635, aunque parece que estaba componiendo personalmente por el rey, al menos tan temprano como 1633. Mientras que en el servicio de Carlos. Lawes contribuyó con la música vocal e instrumental para la vida de la corte, así como música para los Masquies populares en Carolina Inglaterra. William Lawes fue con el rey a Oxford en 1642 y se alistó en el ejército realista (un estrato Oxford lo representa en traje Cavalier).

        Aunque para Lawes su seguridad se hizo un comisario de la guardia persona del rey, que sufrió una herida de bala mientras que el alivio del asedio de Chester en 1645. El rey Carlos supuestamente estovo de duelo por Lawes como el “Padre de Música”. Aunque ninguno de la música de William.

Estilo musical

        La apareció en la prensa durante su vida, su hermano lanzó algunos de sus ajustes de los salmos y los cánones sagrados e la elección Salmos de 1648, y publicó el influyente colección de John Planford comenzando alrededor de 1650 fomentó tanto la difusión y la popularidad de su música. Él escribió prolíficamente y idiomáticamente para la consorte de violas. Sus suites y fantasías se funden la fluidez del contrapunto renacentista tardío con los colores cromáticos más “educados” de finales de los madrigales, que ha hecho conocer algunas de las obras de Marenzio y Monteveridi. Su música de cámara otra (sobre todo la participación de violines), por el contrario, muestra un lenguaje barroco temprano de las cadenas de paras y bajo continuo. Algunos estudiosos de su música especular que este estilo italiano llegó hasta él, aunque la tutela de Coprario. A pesar de su salida de instrumental grande y un número aún  mayor de las canciones seculares e himnos anglicanos que sobreviven de su pluma, el mayor legado de William podría haber sido su música dramática. Entre los años 1633 y 1641, que contribuyó con la música que por lo menor 25 Maswues corteses y otras producciones dramáticas. La máscara cortesana Inglés en este momento compuesto por una forma la arte compuesta de música, danza, teatro, y el paisaje, comparable a la luliano ballet de cour en Francia. A principios del siglo, Bendonson e Inigo Jones eran colaborador más importante de la Máscara. El género llegó a su clímax en el espectacular triunfo de la Paz (1634) de James Shirley, a la que  contribuyó con la música de W. Lawes. Subyro en la música de escena hizo posible el posterior trabajo de Matthew Lock, John Blow, y finalmente, el mismo Herry Purcell.                              

UCCELLINI, Marco (1603)

Biografía

         La vida Uccellini es poro conocida. Nacido en Forlimpopoli, Forli, estudió en el Asís. Se convirtió en director musical seminario. Se convirtió Instrumental de Capol del Este corte en Módena desde 1641 hasta 1662, y fue el director musical (maestro de capillo) de la catedral de Módena desde 1641 hasta 1665. Posteriormente se desempeño como maestro de capilla en el Famesio tribunal de Parma hasta su muerte. En la corte de Famesio, compuso óperas y ballets aunque ninguno de esta música, por lo que se conoce hoy en día sobre todo por su música.

Estilo

         Uccellini fue uno de una línea de distinguidos compositores italianos violinista en la primera mitad del siglo 17. Sus sonatas para violín y bajo continúo contribuido al desarrollo de un estilo idiomático de la escritura para el violín (incluyendo carreras de virtuosismo, los saltos, y las incursiones en altos cargos), la ampliación de las capacidades técnicas del instrumento y la gama expresiva. Al igual que otros del siglo 17 sonatas italianas. Uccellini consisten en breves secciones contrastantes (con frecuencia bailes) que fluyen de una a otra.

        Uccellini innovaciones influyeron en una generación de austro-alemanes violinista de compositores como Johann Heinrich Schmelzer, Heinrich Ignaz Biber y Johann Jacob Walter.  

         Uccellini contribuido a la técnica de la izquierda mediante la introducción de la sexta posición. También fue uno de los primeros en utilizar scordatura. Su publicación más canzoni Sonata (1649) es reconocida como la primera publicación dedicada exclusivamente a la música para solo de violín y bajo continuo.

CORBETTA, Francesco (1615)

Biografía

        Fue de guitarra virtuosa, profesor y compositor. Hizo su carrera en Italia. Parece que ha trabajado como profesor en Bolonia, donde el guitarrista y compositor Giovanni Battista Granata puesoda haber sido uno de sus alumno. Él se unió en entonces a la Corte de Carlos II. Duque de Mantua en varias capacidades. Fue sin embargo, frecuentemente disfrutar de una licencia de ausencia y viajo al extranjero a España, donde comprendió a la Corte en Madrid con su virtuosismo, sino que posible también viajado a Alemania. También visitó los País Bajos españole, dedicando su cuarto libro. Vanischerrzi di Sonate al gobernador, el archiduque Leopoldo Guillermo. Fue en Paris en la década de 1650, donde participó en un ballet de Jean-Baptiste Lully.  Él vino a la atención del Inglés Rey Carlos llene exilio y en la restauración de lo acompañó a Londres. Durante los últimos 20 años de su vida vivió su tiempo entre Londres y Paris. Es considerado como uno de los mayores virtuosos del Barroco guitarra.

Estilo

         Cinco colecciones de música para la guitarra de cinco platos sobreviven hoy en día. Al menos otros dos se han perdido. Su primer libro incluye en su mayoría pulsaba la música de baile, mientras que los últimos libros muestran una gran maestría en la combinación de texturas rasgadas y arrancadas. Dos primeros libros de Corbetta incluyen compositor en la tracción italiana, pero sus tres últimas publicaciones son cada vez más en el estilo francés. Estas publicaciones también se incluye información importante para el continuo jugando en la guitarra. Una parte importante de la música que se le atribuyen también sobrevive en forma de manuscrito.

        Corbetta fue también fue también influyente como maestro. A menudo se sugiere que estos guitarristas de éxito como Robert de Visée, Giovanni Battista Granta, y Médard Rémy, fueron sus alumnos. A que no hay evidencia documenta para apoyar dicha afirmación es casi seguro que lo conocieron personalmente. Fue contratado definitivamente compositor profesor de guitarra de la princesa Ana, más tarde la reina Ana de Gran Bretaña, pero no hay evidencia de que él fue contratado como profesor de guitarra que el rey Luis XIV de Francia.                                                                                                                                                                                                         

FROBARGER, Johann Jacob (1616)

Biografía

        El compositor, teclado y clavecinista. Nació en Stuttgart. Pasó gran parte de su vida profesiones en le corte de Viena, pero viajó mucho a Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos. En las composiciones de su teclado, reconoció los estilos divergentes de su contemporáneo europeos, mientras que forjar una síntesis muy personal y patenta musicalmente. Sirviendo a la vienesa Hofkapelle a partir de 1634 hasta 1645, se le concedió un estipendio de la italophile emperador Fernando III de viajar a Italia y complementar su formación musical estudia con Girolamo Frescobald. Estudió en Roma desde finales de 1637 hasta 1641 e hizo un seguido viaje a Roma, Florencia y Mantua antes de 1649. Un extenso período de viajes desde 1649 hasta 1658, probablemente incluyó viajes a Paris (donde conoció a Louis, Couperin y Chambonnieres), los París Bajos, y en Inglaterra. Después de un segundo período en Viena como organista principal de la corte imperial desde 1653 hasta 1658, se retiró a la finca de la princesa Sybilla de Württemberg- Montbeliard, donde murió de repente de repente en su servicio de Vísperas en 1667. La mayor parte de su (casi exclusivamente el teclado) la música fue publicado póstumamente a parte de la forja de la conciencia de alta barroco alemán artístico nacional.

Estilo musical

       Así, su estilo mezcla de géneros italianos y franceses y las técnicas de contrapunto con el pensamiento excelencia “alemán”, se percibe inmediatamente como fundamento de este estilo nacional. En muchos de los ejemplares autografiados de Frobarger de su música, los diferentes géneros se separan y antologías, con especial atención a las practican de notación distintivos. Las fantasías, los recercaros y otras piezas polifónicas se anotan en la puntuación abierta, para poner de relieve la independen decía de las voces. Por el contrario, los tocatas de estilo italiano, están siete líneo, desalinear cláramelo las dos manos. Estas piezas muestran la influencia de su maestro Frescobaldi así como de Merulo, la organización de Froberger de las piezas en las secciones contrastantes rapsódico y fuga, sin embargo, sigue más la práctica de Miguel Angel Rossi. El otro género italiano en el  que Froberger compuesta es la canzona o capricho, suites para clave de Froberger, publicados en la década de 1690 dio la impresión de que “inventó”la estructura genérica que dominan la música del siglo décimo octavo del teclado: un conjunto de movimientos de la danza bipartitas en la misma clave, en el orden de Allemande-Courante-Sarabande-Giga. Esta idea falsa, desmentida por la presencia de regulas, para diferentes, las órdenes de sus propios manuscritos, ha sido durante mucho tiempo la piedra angular de la posición histórica del compositor. Sin embargo, Froberger fue asimilar los géneros de danza franceses, agrupados en las suite por clave, y (especialmente en el Allemande), la incorporación de algunas de las características de improvisación italiana en la estructura de la danza. Esto dio más completa en voz piezas en un estilo derivado del laúd de que los franceses llaman el estilo Brise. Su otra innovación personal en las suites de baita fue la sustitución de la danza por primera vez por una pieza de carácter afectivo en miniatura con un título descriptivo, los cuales eran a menudo se lamenta por la muerte de figuras prominentes de la corte.                

SAINT-LUC, Jacques de (1616)

Biografía

         Nació en Ath en nada se sabe de sus primeros años. En 1639 fue invitado a convertirse en un música el la corte la Bruselas, y dos años más tardo tuvo su retrato pintado por Gerard Seghers. Se tras lado a Paris en los años 1640 a mediados o finales, pero regresó a Bruselas en octubre de 1647. Él, evidentemente, pasó las próximas décadas en Brucelas, casándose en 1658. Un corresponsal de la importancia de Saint- Luc vida estos años fue Constantijn Huygens. En agosto de 1684 en Saint-Luc todavía vivía en Bruselas, pero no se sabe nada de su paradero durante los próximos 16 años. La siguiente mención de él, es a partir de 1700, cuando visitó Berlín con motivo de la boda de príncipe Federico de Hesse-Lassel y la princesa Luisa Dotea de Prusia. Al parecer viajó a Balín a partir de Viena, donde, según fuentes de la época, fue contratado por el príncipe Eugenio de Saboya. Saint-Luc todavía estaba vivo en 1707 y 1708 cuando publicó algunas de sus compasiones en Ámsterdam la fecha de su muerte es desconocida.

Estilo

         Más de 200 piezas de Saint-Luc sobre vivir, y demostrar que él era uno de los lauditas más importantes de su tiempo. A pesar se que fue influenciado por compositores franceses (Ennemobd Gaulier, Denis Gaulier, Mouton Charles, y otros), y a probó su plan de agrupar las piezas en suites, qué solo se utiliza la característica francesa brisé estilo de sus preludios.                   

LOCKE, Matthew (1621)

Biografía        

        Un compositor central en la vida música en Inglaterra de mediados del siglo XVII. Matthew Locke aprendió música como niño de coro en Exeter. Un manuscrito de 1648 que Locke subtitulado. Cuando estaba en los bajo. Coustrays ha sido citado como evidencia de que él fue contratado por la corte del príncipe Carlos, que entonces vivía en el exilia como un refugiado de la Guerra Civil Inglés. En el momento Locke se sabe que regresó a Inglaterra en 1651, había adoptado probablemente, el de fe católica, favorecido por el por el propio Chales. En 1653 Locke había comenzado a establecerse como una fuerza en el es cenar Inglés. Ese año él pudo haber colaborado con Christopher Gibborns en la música de John Shrley máscara de Cupido y la Muerte. En 1656, Locke se unió con el dramaturgo William Davenant y varios otros en la compilación de lo que podría considerarse como la primera ó de inglés, el sitio de Rodas. Locke también contribuyó con música de reposar de obras de Shakespeare como La tempestad, Enrique VIII, y Macbett cultivar.   

         Era un estrecho colaborador del compositor John Playford, lo que contribuye a las publicaciones de este último cortesano Masquiing Aires. El maestro de baile en 1660, Carlos II fue restaurado en el trono inglés después de once años de la Commonwealth. Locke fue nombrado a continuación privada compositor en lo emulación de la práctica de los tribunales franceses, se amplió en una mini-orquesta de 24 violines en 1662, en común para el Rey. Entre sus taréo consistía en supervisar un consorte de ocho instrumentales de cuerdas. Ese año Carlos V se casó con Catataslina de Braganza, y Loche fue nombrado organista de la privada. Locke jugado tanto en las capillas donde Catherine y adorabamentó en su, a veces con un pequeño grupo de jugadores de cámara.  

        Durante a década de 1660 Locke continuó escribiendo música para la etapa de Londres, aunque se trasladó, junto con toda la corte, a Oxford en 1665 con el fin de escapar de la muerte, a continuación, haciendo estragos, en la ciudad. Así, comenzó una asociación con Oxford y su escuela de música de la universidad que produjo lo mejor de la música sacra vocal de Locke la mayoría de los cuales se conserva en manuscritos copiados por Edwatrd Lowe entonces jefe del departamento de música de Oxford. La obra de Locke en Oxford continuó felizmente hasta 1672, cuando se vio envuelto en una disputa feo muy público con el compositor y el Trinity Collage de postgrado Salmon Thomas, la mayoría de los cuales se jugó en la prensa. En 1673, Locke publicó Melothesia, un volumen de teclado música que contiene un método detallado de figurado-bass juego continuo el primer tratado de tal escrito en Inglés. Locke murió a la edad de 56 en el verano de 1677, sus tareas con la banda de corte de cuatro y veinte fueron asumidas por el adolescente Henry Purcell. Purcell compuso una oda finca en la memoria de Locke, y se hizo la donación de un volumen manuscrito grande que contiene la música de cámara que la había tenido a bien conservar. Mucha de la música de Locke es muy cromático y disonante sino que se cometió estilo Inglés constituido, y una vez comentó que “todavía no he visto ninguna Composición Instrumente Foraun digno de un mans Inglés Trascripción”. Estaba a favor de clases largas, de longitud irregular y hay muchos pasajesor armónicamente inestables y errante en la que Locke parece abiertamente a desafiar prejuicios estilísticos de barroco temprano.

         Música instrumental de Locke, en particular, que para quebrado, es parte de la música orquesta más escrita en el siglo XVII. Su música vocal y teatro es menos conocido, pero toda la obra de Locke es significativo y su revés música ofrece un espléndido contrapunto a las agitaciones contentes de la Inglaterra a de su época.            

PLAYFORD, John (1623)

Biografía

         John Payford: hizo publicar volúmenes sobre temas políticos y otros que es mejor recordado en las obras musicales que surgieron como resulta de sus esfuerzos. Criado en una familia numerosazo de los escribas, su dedicación la su trabajo fue moldeada por una devoción sincera y permanente para el servicio divino de Dios. Se prensa que han sido educados en una escuela de doro de la iglesia él ganó una inmensa perspicacia en su campo mientras trabajaba cono aprendiz de John Benson en Londres durante, siete años, después de convertirse en su miembro de la “Compañía Yermanry de los Stationers”, comenzó a hacer negociaciones como un editor. Estableció su negocio en la iglesia del Temple, donde finalmente logró el cargó de secretario. Poco antes de que el tiempo se enteró el peligro de producir tiempo se política realista y, presumiblemente bajo presión de las autoridades se redirige la mayor parte de su negocio hacía un camino menos arriesgado: a la música. Desde entonces, tanto él como se esposa, Hannah, con entusiasmo y laboriosamente se sumergió en su trabajo, ella en el mantenimiento de la escuela de sus propias hijas internado y él con su empresa editora con sede en Londres.

         Después de haber sido asistente designado por la corte del rey emprendió la producción Playford de almanaques prósperos y salmos. También publicó obras que van desde colecciones de variaciones para violín, a los de variaciones para viola y chirimía, a un de referencia de la música tradicional Inglés, generalmente utilizando tipografías Thomas East. Títulos populares que él ayudó a producir incluir Ayres certesarío Masquing de dos partes (1662), subían conocido el lamo de baile Inglés (1650), Introducción a la Breefo habilidad de Musick (1654), y todo el libro de los Salmos con los himnos, habituales y cánticos espirituales (1673). Durante su carrera también trabajó con Thomas Harper y Godbid William. Muchos de sus libros complementado su trabajo en la iglesia del Temple, con la Sociedad de Empleados de la parroquia de Lo, y como vicario de coro de la catedral de St. Paul, como lo fueron cumplimentas de sus aspiraciones a corregir armónicamente melodías corales existentes y mejorar la calidad de los servicios de adoración John Playford finalmente pasó su negocia a su hijo Enrique, y la compañía continuó produciendo obras de la mismo materia y nivel.

         Sin embargo, su estado se redujo como su nuevo propietario descubrió que era incapaz de competir con otros editores e incapaces de adaptarse adecuadamente sus métodos anticuados de la promoción de sus ventas, que se produjeron en la época en que se separó el negocio con Robert Carr. A través de los esfuerzos de su hizo, docenas de títulos de John Playford los han actualizado y reeditado incluyendo el segundo libró de la agradable compañero musical, salones de Apolo, la segunda parte de la mano de Mosick-Maid, y el compañero agradable… para la chirimía. A pesar que la música de sus publicaciones no se fashionably revistado por los artistas, obras de John Haglord continúan siendo de interés para los estudiosos y que todavía se recuerda, para reinar el mundo de la edición musical entre mediados y finales de los años 1600.                                   

LULLY, Jean-Baptiste (1632)

Biografía

        Es evidente el músico más exitoso de su tiempo, es términos de poder y la riqueza financiera, Jean-Baptiste Lully era casi singularmente responsable de la forma de la ópera francesa durante los siglos XVII y XVIII, murió un rico a la temprana edad de 54 años.

        Aunque la mayoría le recuerda por sus composiciones de la ópera, también era un talentos violinista y bailarín. Su sentido de la negocios y dicen algunos, de manera inescrupulosa, lo convirtió en uno de los músicas más poderosos de toda Francia, sino en Europa. Su protector y amigo el rey Luis XIV cimentó aún más la posición de Lully en la parte superior de la elite musical de Europa. Óperas de Lully siendo su legado, pero también compuso más de 30 ballets, motetes, música incidental, las danzas, y marchas. Lully nació elijo de un molinero que perdió la custodia de él después en la corte de que su madre. Mientras que en sus primeros años de adolescencia, Lully fue llevada a Francia por el caballero de Guisa 03 1646. Se desempeño como música en la corte y en la Mademoise de Montpensier, hasta que fue exiliado, en 1652, al su finca en San Targeau por su papel en la Fronda. Durante su servicio en la Montepensier. Lully fue educado en la guitarra, el violín la danza. Su talento lo llevó a la atención de la joven rey Luis XIV. Después de su liberación de la corte Montepensier, Lully se unió a la corte del rey, con compositor y bailarín se convirtió en el líder de un pequeño conjunto de cuerdas forma por el Rey. El prestigio de Lully en la corte, así como en toda Francia, creció aún cuando fue nombrado el Superintendente de la Música y, posteriormente, el Maestro de Música de la Familia Real.

        Cuando Lully comenzó a componer la ópera en la década de 1670, Italia era el centro de una gran la ópera, Ópera en Francia, estaba en su infancia.

Operas de Lully, que se basaban en modelos italianos, pero con libreto francés. Ayudó a popularizar el arte. Compuso una vez al entre 1673 y 1680, y luego otra vez entre 1682 y 1686. Además de ser el principal compositor de ópera en Paris en aquella época, Lully aseguró su posición exaltada por la garantía de los derechos de patente que en última instancia le permitan determinar que la ópera se pudo realizar y limitada severamente representaciones de las ópera que él mismo no había aprobando. Estos derechos de patentes, obtenidos a partir de libretista Pierre Perrin, que habían sido encarcelados por problema de la deuda, eran para el derechos exclusivo de formar la Royal Academy of Music. Lully negociado con Perrin de estos derechos, el pago de sus deudas y que le proporciones una beco por vida. Lully formó la Academia real en marzo de 1672. Un año más tarde, en abril de 1673, se aprobaros las restricciones que las producciones limitadas a cabo fuera de los auspicios de la Academia a no más de dos cantantes y seis jugadores. Lully se naturalizó ciudadano francés en diciembre de 1661. El 24 de julio de 1668, se casó con la hija de su mentor y jefe del músico real, Michel Lambert. El rey Luis XIV asistió a la boda de Lully a Madeleino Lambert y se convirtió en el padrino de su hijo mayor. En 1681, Lully fue concedida lettres de noblesse y nombró a uno de los Secretarios du Roi. Durante una actuación en la celebra de la recuperación del rey de una enfermedad, Lully golpeó accidentalmente el pie con su personadle conducción. Una infección resultado, y finalmente lo murió en 1687.

Obras:

Algunas de sus primeras obras, de la época en que era sobre todo violinista, posteriormente compositor de bailes y aires en estilo italiano.

“Ballet Royal d’Alcidiane” (1658) – “Les Amours Déguisés” (1664)

“La Naissance de Vénus” (1665) – “Les Muses” (1666)

Vienen después las comedias ballets realizados en colaboración con Moliére:

“Le Mariage forcé” (1664) – “L’Amour Médecin” (1665) – “Georges Dandin” (1668)

“M. de Pourceaugnac” (1669) – “El burgués gentilhombre” (1670)

En la última etapa de su vida compuso trece “tragédies lyriques”, la mayoría sobre textos de Pilippe Quinault;

“Cadmus et Hermione” (1673) – “Allceste” (1674) - “Thesée” (1675) – Atys” (1676) – “Isis” (1677)

“Psyché” (1678) – “Bellérophon” (1678) – “Proserpine” (1680) – “Persée” (1682) –

“Phaeton” (1683) – “Amadis” (1684) “Roland” (1685) – “Armide et Polyxéne” (1887)           

BUXTEHUDE, Dietrich (1637)

Biografía

        Dietrich Buxtehude es probablemente el más familiar para las audiencias modernas de música clásica como el hombre que inspiró al joven Johann Sebastián Bach a hacer una peregrinación largo de Lúbeck el lugar Buxtehude del empleó y la residencia de la mayor parte de su vida, sólo para oír tocar el órgano de Buxtehude. Pero Buxtehude era una figura importante entre los compositor barroco alemanes en su propio derecho. A pesar de que no tienen copias de gran parte de la obras que más impresionó a sus contemporáneo. Buxtehude, sin embargo dejó un cuerpo de música vocal e instrumental de crudo. Él ayudó a desarrollar la forma de la cantata la iglesia, más tarde perfeccioné por Buxtehude, y él era tan amorío como un órgano. No existe documentación para el nacimiento, de Baunq, él dijo en la tarde en la vida de que el era un danés de origen. Desde que su padre, Jahannes, era organista y maestro de escuela en Oldesloe, Dinamarca, hasta 1638, es una suposición razonable de que Dietrich nació allí. Juan se traslado a Helsingborg en 1638 y Halsingor en 1641 o 1742 donde permanecían hasta 1671. Después de aprender el órgano a los pies de su padre se convirtió en organista Buxtehude antigua iglesia de su padre en Helsingor en 1657 o 1658, sino que luego se trasladó a una congregación de habla alemana  en Halsingborg en 1660.

          Buxtehude: decidió dejar de seguir los pasos de su padre cuando el prestigioso cargo de organista de la Marienkircheen Lübeck llegó a estar disponible, después de varios otros fueron rechaza Buxtehude consiguió el trabajo el 11 de abril de 1668 dos. También se casó contaba mejor de la salida Anna Margarethe Punder, que pudo haber sido una condición de asumir el cargo, y sin duda era una condición cuando Buxtehude buscó un reemplazo para él. Sus deberes eran oficiales de la congregación para proporcionares corales y otros interludios musicales de todos los servicio, y para actuar como tesorero, secretario y gerente de negocios de la iglesia. Él era el más famoso, sin embargo, por sus Aberdmusik conciertos, que se celebró tras el servicio de la tarde en los cinco domingos al año y en ocasiones especiales. A pesar de estos conciertos son universal descrito como extraordinario, y fueron la base de la mayor parte de la fama actual de Buxtehude, la música muy poco de ellos ha sobrevivido. Dos de los conciertos Alemania, celebrada el 2 de diciembre y 3 , 1705 y que conmemora la muerte del emperador Leopoldo I y el ascenso de José I, fueron atendidos probablemente por Bach en su peregrinación, dos Buxtehude tuvo una oportunidad para que la jubilación anticipada en 1793,, cuan Georg Friederic Handel y Matheson Johann (organistas famosos ambos) lo visitó; Matheson había estado pensando en tener éxito Buxtehude en su puesto, pero se resistió a la obligación de casarse con su hija de Buxtehude Anna Margarita, y el vista quedó en nada. Después de Buxtehude murió el 9 de mayor de 1797, la iglesia encontró otro ordia dispuesto a casarse con su hija.

Estilo

          Históricamente, la música de Buxtehude órgano ha sido estadía por su influencia  directa sobre Bach. Buxtehude escribió las fugas primeros verdaderamente idiomáticas para el órgano y fue uno de los el primero en experimentar con la estructura que Bach más tarde codifica en el preludio y fuga. Buxtehude es generalmente considerado el más grande organista  entre Scheidt, Bach, y es considerada como entre de la tocata órgano alemán. Sin embargo, a sus contemporáneo, él también escribió algunas obras extraordinaria para tríos que involucran la viola da gampa. Su voz trabajas compartieron la devoción y el rigor intelectual de su obras instrumental, y se admiraba también mucho más órgano.                                              

PASQUINI, Bernardo (1637)

Biografía

          Pasquín será 7 de diciembre 1637 hasta 22 noviembre 1710. Fue un italiano compositor de ópera y música de la iglesia. Un jugado famoso virtuoso de teclado en su día, fue probablemente unote los compositores italiano más importantes para clavecín entre Grrolamo Frescobaldi y Domenico Scarlatti, habiendo también hecha contribuciones sustanciales a la ópera ropera. Una de sus piezas para clave fue transcrita para orquesta de Ottorino Respighi  en su suite Gli Uccelli.

          Él nació en Massa en Val di Nievole (Toscaza). Fue alumno de Antonio Casti y Vittori Loreto  en 1650. Más tarde se trasladó a Roma y entró al servicio del príncipe Borghese, posteriormente se convirtió en organista de la Basílica di Santa Maria Maggiore, Gozó de la producción de la reina Cristina de Suecia, en cuyo honor una ópera suya, Doviê amore é pieta a un libreto por Cristoforo Ivanovich, fue producción en 1679. 

         Durante Alessandro Scerlatti estay en segundo en Roma (1703-1708). Pasquín y Corelli Arcanuelo se asocia frecuentemente con Scailatti en espectáculos musicales, especialmente en relación con la Academia de la Arcadia, de los que los tres eran miembros.  Pasquín murió en Roma, y fue enterrado en la iglesia de San Lorenzo in Lucina.

          Él celebra el cuco omnipresente en  Toccata con lo Scherzo del Cucco, libre y claramente escrito en el estilo florido en 1702. Es quizás la mejor pieza teclado cuco en existencia para su imita las notas del cuco, que parece haber sido un dispositivo preferida en el programa de música antigua barraco.               

PEZEL, Johann Christoph (1639)

Biografía

          Violinista y compositor. Ere obturo gran fama en Leipzig como virtuoso del violón           (1664-1681) y más tarde músico oficial en Bautzen.

          Escribió de obras, teórica (“Observaciones de musical”, “Él era conocido como violinista y clarino trupmet”, jugador y publicada entre 1659 y 1686, sobre todo de la música instrumental, como “Música vespertina liásica” (1669”, “Musicalische Seeleneltquickungen” (1675), musical “Deliciae, Lusttmusik odes” (1678), “Musica curiosa lipsiaca” (1686), etc., también algo de música vocal sacra. Él era influyente en la escritura orquestal.        

SANZ, Gaspar (1640)

Biografía

         En general se acepta que el como él nació el 4 de abril de 1640, en Calanda en la región de Aragón, España. Como hombre joven, él recibió una licenciatura en teología y, posteriormente, tomó los votos de las Ordene Sagradas de la Universidad de Salamanca. Pero la espiritualidad de la música se convertiría en una segunda vocación por Sanz y viajó a Italia para estudiar música con Cristofaro Caresanti y Colista Lalio, así como (especulativa) Benovoli Orazio y Pietro Andrea Ziani. A su regreso a España, ha ejercido la literatura la religión y la música a partes iguales, respectivamente con una tradición de Bartoli (1678), un elogia al Papa Inocencio XI (1678), y su obra maestro música en la Instrucción de tres volúmenes sobre la música de guitarra Española. Su destreza musical pronto llegó a asomar por encima de sus otros logros llenando a ser considerado como el teórico de la guitarra más importante de su época, así como instructor de guitarra privado a Donjuán de Austria la de ducatariople su Instrucción. Un música completo, Sanz fue también organista al virrey de Nápoles. Se cree que murió en Madrid en 1710.

Estilo

         Cuando Sanz, comenzó su trabajo, la guitarra de su evolución hacía adquirido un quinto curso (par cadena) y se instaló en la puesta a punto cuantos orientado que condujo a la modera guitarra de seis cuerdas tal como se conoce hoy en día, la pareja octava de las cuerdas graves sobre vivir en la moderna guitarra de 12 cuerdas. Sanz se aprovechó de esta evolución de las 90 piezas que comporten los tres volúmenes de Instrucción. El resultado es de doble importancia musical. En primer lugar, las capacidades de la guitarra, esta vez por el logro de un estado comparable a laúd como un instrumente grave, se extiende, alejándose de la melódica de uno sola línea, se extiende pululado por acordes, aunque dicho idioma se pueden encontrar en el volumen primero dirigido o los principiares, los volúmenes posteriores a escribir para encontrar más activa de la derecha técnica, la independencia del pulgar y los dedos, y más variado ya veces la textura contra Todo esto tiene como prefacio del primer volúmenes de un tutorías, un manual para el cuidado del instrumental, y un ensayo sobre bajo cifrado para la guitarra. La música en los tres volúmenes que esta estrito en tablatura, aunque, los acuerdos posteriores para la notación estándar desde entonces se bande hecho. El segundo gran importa del conjunto de Sanz es que contiene muchos ejemplos de canciones populares y danzas españolas, la exposición de estas, al mundo en general. Algunos, como la Zarabanda cuentan con una alemán de metros que presagian el idioma que flamenca. También se pueden encontrar son las formas más convencionales de pasacalles, pavana y gallarda, así como recuerdos de viaje, como una pieza napolitana. En conjunto estos revelan Gaspar Sanz a ser una música polifacética y cosmopolita de su tiempo, así como un profeta de un instrumental que algún día rival el teclado en popularidad.                          

                                                                                                                                                    

BIBER, Heinrich Ignaz (1644)

Biografía

         Biber puede haber sudo el mejor violinista del siglo XVII. También fue un compositor muy innovada cuyas obras sobre todo sus sonatas para violinista adquiriendo un nuevo protagonismo en el repertorio realizando. Biber nació en la cuidad bohemia de Wertenberg (actualmente en la República Checa). Poco sabe de su formación o educación, aunque se cree que estudió en Viena con el eminente violinista alemán Johann Henrich Schmerzer. Comenzó su carrera como jugador de violín y viola de gamba en las cortes aristocrática de Moravia, y se sabe que han asumido un puesto en la banda perteneciente al conde Kart de Liechtenste-Castelcomo en Kromerkiz. En 1670, abandonó este puesto de trabajo sin permiso, y se unió al Kapelle en Salzburgo, siendo nombrado Kapellmerister allí en 1684. Su brillantez y virtuosismo en el violín hecho Biber uno de lis solistas más reconocidos de Europa, y en 1590 el emperador Leopoldo I añade el prefijo aristocrático “von”a su nombre. Murió a los 59 años en Salzburgo de Biber presentarse como parte de la música más asombrosamente avanzado de la época barroco.

Estilo

         Manuscritos de Biber e improvisaciones públicas recordó de violín en un detalle sin precedentes, en su Sonata. Representativa, se encontrará impresiones instrumentales de Barroco de las cucas ranas, gatos, y mosquetes marcha. Se suministran con un bajo de tierra simple que ofrece  un montón de espacio para el solista para estirarse y presumir, pero están escritos en un nivel tan alto de dificultad que pocos violinistas intentar dominarlos. En su “misterio”, o “Rosenkranz” sonatas, Biber hace un uso extensivo de scoroatira, violín que cambian el carácter tonal del instrumental y hacen “imposibles”, configuraciones posibles. Biber fue influenciado claramente por el Universali Musurgia, un teórico. El trabajo escrito por el científico alemán matemático jesuita Athanasius Kircher. Publico por primera vez en 1650, Kircher traza paralelos entre los tonos musicales, el movimiento planetario y los estados psicológicos del ser. La  música de Biber es fuertemente, afectivo emocional y en los obras de carácter programático como su Battalia pieza orquesta trata de combinar una experiencia literal y subjetivas de escucha. En Battalia, la orquesta se requiere para jugar vacías canciones de marcha en claves diferentes a la vez, de una manera similar a la música de Charles Ives para indicar soldados ansiosos de varios regimiente que partían a la guerra. Un paso suave y silencioso al final de la obra representa el resultado, un cuadro sombrío del campo de batalla muerto. Biber también compuso una serie de obras vocales sagradas, la mayoría de ellos residen fácilmente dentro de las restricciones necesarias de de la Iglesia. Una piezas destacada es su 15 –requémenle parte, una masa expresiva y aventurero armónica que evita la sobriedad del texto a favor de gloriosas texturas corales antifonales. En ese mismo sentido, los musicólogos han establecido que anonimato, gran parte Salibuegensis 53 –Missa. También en probable que la obra de Biber.

 

CABANILLES, Joan Bautista (1644)

Biografía

         Cabanilles de 6 de 1644 en Algemesí, cerca de Valencia – 1712 en Valencia fue un español organista y compositor en la catedral de Valencia. Es considerado por mochos como el más grande españolas Barroco compositor. Probablemente comenzó su carrera musical como cantante en un coro de de una iglesia local. Más tarde estudió cantante estudió para ser sacerdote en la catedral de Valencia que incluía lechones de música. El de 1665, a los 20 años de edad, fue nombrado ayudante de organista de la catedral. Un año más tarde, tras la muerte de su predecesor se convirtió en el organista principal. El de 1666 fue ordenado sacerdote. El mantuvo su posición como organista principal de 46, pero a partir en 1703 en su salud a menudo necesario que un sustituto se encuentra. De 1675 A 1676 también se hizo cargo de la enseñanza de los niños en el coro del coro de la catedral.

         Muchas de las comes de Cabanilles son virtuosas y avanzado para su tiempo, perro en general, está en la tradición española de música para teclado segundo los patrones del siglo 16. La mayoría de sus manuscritos se conservanona en la Biblioteca de Cataluña en Barcelona.

Estilo

         Numerosos composiciones para organista (tientos tocatas por acalles y obras) han sobre vivido, así como una senil de obras para coros de hasta 13 piezas.             

BLOW, John (1649)

Biografía

         Inglés compositor John Blow fue una importante influencia sobre Henry Purcell, sus compositores para órgano canciones y óperas únicas, “Venus y Adonis” son sus obras más importantes. Blow nación en febrero de 1649 y fue bautizado el día 23 de ese mes. Se  un niño de coro en la capilla real a una edad templaría y ya debería habar servido como tan en otra iglesia, tan vez Newark. Blow estudió con el maestro de coro Henry Cooke, y más tarde con Christopher Gibbons, el hijo de Orlando Gibbons. En diciembre de 1668, Blow fue dado el caro o de organista en la Abadía deWestminster una posición de prestigio indicando sus habilidades con el teclado considerables. Un mes más tarde fue llevando a la corte real para servir de intérprete en la virginal. En 1670 el himno considerables Blow asumió el joven Henry Purcell como estudiante y se le el dio el puesto de compositor en común para las voces una indicación de sus obras vocales ya había encontrado mucho favor. Blow fue tomada en el servicio de la Capilla Real en 1674, y en julio fue nombrado para un puesto allí como maestro de coro de niños. Durante este periodo Purcell comenzó un régimen más intenso de los estudios con Blow, y surgió una amistad entre los dos. En 1674, se casó con Elizabeth Braddock Blow, era se lo llevan cinco hijos, dos de los cuales molió antes de llegar a la edad adulta y Elizabeth, se vivió una década en su unión, Blow fue nombrado uno los tres organista en la Capilla Real en 1676. Durante este tiempo y hasta 1685 –el año de la coronación de Jacobo II- Blow compuso la mayoría de sus himnos y su ópera “Venus y Adonis”, escrito con el libretista Adaisa Benn. En la década de 1670 tarde, comenzó la composición de un gran número de canciones que aparecieron en antologías de 1679 a través de 1684 Blow también comenzó a escribir odas muchos durante esta período. Su Comience la Canción (1684), la primera de las odas día de su Santa Cecilia, para solistas vocales, coro y conjunto instrumental, es una de los mayores logró Blow. Blow continuó componiendo a un ritmo bastante prolífico en años de la decimoséptima siglo t ha recibido mensajes nuevos incluyendo maestro majar de coro en la Catedral de St. Paul, en 1687. La muerte de Henry Purcell el 21 de noviembre, fue una pérdida de gastadora para Blow. Fue trasladado por el evento a escribir su obra más fomous en 1696, una oda a la muerte de Mr. Henry Purcell, Blow. En 1700 fue nombrado para el puesto de compositor de la Capilla Real, el trabajo de graduación superior para un compositor en Inglaterra en el momento. Irónicamente su producción se redujo a un goteo en los años siguientes, y el poco que le produjo no era necesariamente nuevo el himno de 1702. El Señor Dios es sol y escudo, para solistas vocales coro, conjunto instrumental y de órganos, por ejemplo… esta basado en el esfuerzo de 1686de mismo titulo. Blow murió el 1 de octubre de 1708 de Londres,                            

MATTEIS, Nicolás (1650)

Bibriografía

         Matteis fue el virtuoso del vide de lidero en la escena londinense en la última parte del siglo XVII y un compositor menor de considerable popularidad en su época. Práctica me nada se sabe de sus primeros años. Llegó a Inglaterra en la década de 1670 temprano y parece haber sido demasiado tímido o reservado en su apariencia inicial, para el comerciante que patrocinó él tenía que llega “a ser libre, fácil y familia, y deja Señores no el mejor manos, para tenor su compañía en consortes”, En otras palabras, para que los aficionados no se sientan con capacidad demasiado, siempre tenían cantidades útiles de influencia. Él fue acreditado con cambiar el sabor Inglés para violín de estilo francés con un nuevo enfoque italiano al instrumental. Su reputación creció a través de los años 1670 y 1680 y dio lugar a la popularidad de su creciente lista de obras publicadas. Sin embargo, es difícil seguir se carrera como el no era al parecer interesado en al solicitud de empleo en el servicio real. Si se hubiera aplicado o recibido tal posición, el hecho de que se han registrado en la Oficina Señor Chamberlain. Su única mención que han como fundador potencial de la propuesta de Real Academia (con Draghi, Finger, Purcell y otros), un proyecto que nueva llegó a ser. Sus composiciones son robustas, también el elaborado y expresivo y están todos en forma de música instrumentales y algunas canciones. Matteis tendido a dar instrucciones precisas con música publicada, a sabiendas de que muchos de sus clientes eran amateurs. Dio instrucciones inclinándose, explicaciones de a domos, tempos, y otras direcciones de prefacios a sus publicaciones. Estos son recursos valiosos para los estudiosos reconstruir prácticas interpretativas de la época.   

FRANCESCHINI, Paolo (1651)

Biografía

        Fue un compositor italiano de música barroco. Franceschini estudió con Giacomo Antonio Perti y también se en el violonchelista principal de la Basílica de San Pedro. Compuso sobre todos músicos sacia y se le atribuye un uso innovador de la trompeta y las voces. También sus notables sus seis óperas. Murió en Venecia sin terminar su ópera, “Dionisio”, que fue termina de por “Partenio”     

MUFFAT, Gearg (1653)

Biografía

         Georg Muffat es conocido principalmente por varias colecciones instrumentales, entre las que destacan sus florilegios suites orquestales, compuesta por dos conjuntos, que dar en de 1695 y 1699, respectivamente. Ellos son inusuales porque aunque escrita por un compositor alemán, que se forman en el estilo francés, con música de baile divulgar la influencia del maestro Lully. Entre las primeras obras de Muffat, el tributo Armonico, una colección de cinco sonatas para cuerda y bajo continuo, destaca por su escritura cadena de cinco partes y la mezcla de influencias francesas y Corella. Al final, a pesar de estas influencias Muffat debe ser visto como un compositor original, por lo general, que en su versatilidad y enfoque multifacético logró unir a los estilos francés italiano y alemán en su música. Aunque él era sobre todo un compositor de obras instrumentales, él también escribió óperas, aunque ninguno de ellos ha sobrevivido. Georg Muffat fue bautizado el 1 de junio de 1653, y fue lo que probablemente nació alrededor de una semana antes de esa fecha. Él  se considera a sí mismo alemán, aunque sus padres eran de origen escocés y su ligar de naciente Megève, Sabota, se encuentra en Francia.  Mostró talento musical como un niño, y en los diez años viajó a Paris y comenzó a estudiar con Lully. Después de seis años de instrucción con el maestro y otros, comenzó sus estudiar en el colegio jesuita en Colmar, Alsacia, en 1669. Dos años más tanta, fue nombrado organista en una iglesia en Molsueim, a través del cual la catedral de Estrasburgo funcionó en el exilio. Muffat al parecer no estaba satisfecho totalmente con su carrera hasta el momento, porque por 1674 él se apartaría de Baviera para estudiar derecho. Pero la guerra inminente en Alsacia duda influyó en su decisión abandonar la región, si no buscar un cambio de carrera. Por 1678, se hacía asegurado un puesto en Salzburgo en el servicio del arzobispo Gandolf, Conde de Kuenberg. Aquí trabajo como orquestal y jugador el conjunto de cámara. Muffat se despidió de su carguen 1681 acerca de una larga estancia en Italia donde estudiaría con Pasquini y estar bajo la influencia de Corelli. Tributo mencionado Muffat: “Armónico data de este periocer”. El compositor volvió a Salzburgo en el otoño de 1682. Estaba satisfecha al parecer con las condiciones allí, pero después de la muerte del arzobispo en 1687, poco a poco se desilusionó con su puesto. Muffat había ganado el patrocinio del emperador Leopoldo I de Viena de 1677, y parece haber restablecido los lazos con él después de su salida Salzburgo, pues apareció en la coronación de Augsburg hijo del emperador romano como rey en 1690. Por otra parte, Muffat dedicó su composición solo órgano, aparato músico organista, al emperador Leopoldo I y le entregó una copia. En 1690 Muffat, el hizo de Gottlieb (d. 1770), nació. Se iba a convertirse en un compositor de importancia así mismo, aunque su campo elegido de la composición se limitaba principalmente –al siembro teclado. Más tarde, en 1690, Muffat asegurado un puesto como maestro de capilla en la corte del obispo de Passau Johann Philipp. En 1695 el compositor produjo la primera de sus importantes Florilegia suites orquestales, la Suavioris, Harmoniae “hyporchematicae instrumentalis primum” florilegio, que se compone de siete suites. Tres años más tarde se produjo el segundo set, secundim Florilegium, que consistía en ocho suites para orquesta. Entre sus últimos trabajos importantes fue la colección 1701 de 12 concerti grossi, titulado Ausserlesene Instrumental – Music. Muffat permaneció en su puesto en Passau hasta su muerte.                                                

PACHELBEL, Johann (1653)

Biografía

         Pachelbel  es injustamente considerado como un compositor de una obra, que es el trabajar popular “Canon en re mayor, para tres violines y bajo continuo”. Él era una figura importante e la época barroca que se ve ahora como un elemento central en el desarrollo de la música de teclado y de la música, tanto la iglesia protestante. Algunos hay resumido su  contribución primara como la unión de elemento católicos gregoriano cantar con el estilo de órgano del norte de Alemania, un estilo que refleja la influencia de la corar protesta. Un luterano, pasó varios en Viena, donde fue expuesto a la música por Frohberger y Frescobaldi que influyó en su en su trabajo con el coral-preludio. Su música de este género a su vez influye en las composiciones de Johann Sebastiar Bach, entre otros. Cabe señalar que muchas de las obras de Pachelbel son difíciles de fecha, por lo tanto emitir juicios sobre su evolicio estilística cuestionables en muchos casos Pachelbel fue también un talentoso de 1 de septiembre. Mostró organista y clavecinista. Pachelbel, nació en agosto de 1653 y fue bautizado el talento musical desde el principio y comenzó sus estudios con Heinrich  Schwemmer primero y después con George Kaspar Wecker, esta última instrucción en la compositor y en el órgano. Precubrió su educación general en San Lorenzo, escuela secundaria, y en 1669 se matriculó en la Universidad de Altdorf, Pachelbel no procedía de una familia acomodada y recibió cantidades exiguas que actúa como organista en lo Lorenzkirche. De este modo no podía reunir el dinero suficiente para mantenerse al día con los costos de matrícula de la universidad y tuvo que abandonar después de un año. Después de un breve período de estudio privado después de su partida., Pachelbel viajo a Viena y obtuvo un puesto de organista asistente en St. Catedral de Esteban en 1673. Cuatro años más tarde, él tomó una posición como organista en la corte de Eisenach, donde Bach nacería en 1685. Se convertía en un amigo cercano de la familia Bach y ensañar tanto Johann Sebastian, Johann Christoph y Paizquierda después de un año en Eisenach sin embargo, y se convirtió en órgano de la Predogerkirche en Erfurt, en 1678.   

         El compositor su casó con Barbara Gabler en 1681, y en 1683 él era un padre. En septiembre de ese año, sin embargo, la tragedia golpeó como una plaga arrasó Erfurt, llevando a su esposa y su hijo recién nación. Cuatro series de variaciones corales aparecieron en esta época bajo el titilo de Pensamientos musicales de Muerte. Durante este período, sus corales de órganos se convertirían en sus obras más importantes. En agosto de 1684, se casó con Judith Drommer Pachelbel. Uno de sus siete hijos sería el compositor, organista y clavecinista y Wilhelm Hieronymus Pachelbel, nacido en 1686. En 1690 Pachelbel tomó un puesto como organista de la corte de Stuttgart y parecía bastante satisfecho, pero se fue después de dos años debido una inminente invasión por las fuerzas francesas. Él sirvió como organista municipal junto a Gottá, desde el otoño de 1690 hasta batín de 1695. Regresó a Núremberg todo el último tiempo, con el tiempo para convertirse en organista de St. Sebaldushirche (verano, 1695). Él servicia para casi 11 años en el cardo, la producción de sus partituras vocales más famosos, así como sus grandes fugas Magnificat. En 1699  produjo su importante colección de seis arias, Hexachordum Apollinis, para órgano o clavecín Pachelbel fue enterrado en Nuremberg el 9 de marzo de 1706, y al parecer había fallecido el 3 de marzo.                                             

CORELLI, Arcangelo (1653)

Biografía

          Nació 1653 y murió 1713. Una de las figuras seminales de la música barroco, Arcangelo Corelli fue el primer maestro del violín moderno, y él predominio de ese instrumental en la música de los siguientes tres siglos es su legado técnico y pedagógico. Se las arregló para extraer de ella una belleza de toro y el lirismo caritante que anteriorme eran desconocidas, estas cualidades le trajo fama internacional tanto por sus propias actuaciones y las de sus muchos estudiantes que empezaron a difundir su técnicas. No sería una exageración decir que los fundamentos de ka moderna cadera juego incluyendo temas de tanto inclinarse y digitación.

          Descienden directamente de Corelli, A pesar de que aún no ha creado la forma concertó grosso. Corelli escribió los compositores significativo en primer lugar en el género sentando las bases para los logros de Vivaldi, Handel, Bach y una generación más tarde. Lo mismo puede decir se de sus sonatas en trío y sonatas para violín solo, todas los cuales muestran una mayor estabilidad de la forma y desarrollado sentido de la progresión armónica que las de sus predecisión. Estas compositores fueros influyentes, no sólo por su uso innovador de la forma, la dinámica de terrazas, y la tonalidad también porque coincidió con la industria de casi todo sus obras durante su vida y su amplia difusión las editoriales musicales floreciente en Italia, la fama de Corelli y la riqueza condujo a la impresión de a nivel internacional. En efecto, los comes y música estudió sus resultados durante muchos años después de su muerte. Corelli nació en la cuidad de Fusignano en 1653 en una familia acomodada. Los detalles de su vida temprana sus desconocidas pero probablemente comenzó sus estudios musical con un sacerdotote los al antes de mudar se a Bolonia, donde estudió en la Academia Filarmónica. A más tardar el 1675 (pero tal vez antes). Corelli se trasladó a Roma, donde comenzó a aparecer como violinista en conjuntos formados por varias ocasiones religiosas y cívicas. Pronto surgió como uno de los músicos más prominentes de la como uno de los músicos más prominentes de la cuidad y entró al servicio de la reina Cristina de Suecia (el primero de varios patronos influyentes), que se había establecido en Roma tras abdicar su trono. Algunas de las obras más tempranas jóvenes compositor se dedican a ellos, y se llevaron a cabo en sus “academias”. Desde de su muerte Corelli entró al servicia del cardenal Pamphili, quién le dio un sueldo generosos y un lugar para vivir, sino que permanecería en servicio del cardenal hasta 1690, cuando el cardenal salió de la cuidad Patrocinio. Corelli fue asumida luego por el joven Ottoboni (muy joven) Cardenal, que había recibo su oficina a través de la intervención del Papa Alejandro VII, su tío. Esto resultaría muy beneficioso para Corelli, ya que su empleador joven rápidamente se hizo amigo de él, le pagaban bien, y era un gran admirador de su música. Poca música ha disfrutado alguna vez una relación más estable o lucrativa con un patrón. En esta posición, Corelli alcanzó fama variedad y la riqueza extrema en el Panteón.                                   

MARAIS, Marin (1656)

Biografía

         Marais era el bajista violín, preeminente en la Francia del siglo XVII, él compuso cuatro óperas es principalmente cerca de 600 compositor para diversas combinaciones de violaciones granes. Estas obras de la tradición francesa eras las colección de varias piezas, en ligar de los conciertos sonara italiano. Las colecciones, que van desde siete a 41 piezas cada una constan principalmente danzas fantasías, chaconas, redondeles, tumbas y piezas de carácter. Estos últimos son trabajos cortos y coloridos incluyendo títulos descriptivos tales como vocal humanas y campana o timbre. Incluso hay un trabajo que está destinado a describir la operación para la extracción años de un cálculo vesical. Mar pensado reproducir, la tesis de las partes en los instrumentales, apuntar. De hecho, son idiomáticamente adecuados para el bajo de viola y representan la mejor colección de piezas para ese instrumental. Entre numerosas otras compositor Marais, sus “Piezas baño trío para flauta, violín y viola los agudos” (Tríos para flauta, violín y más la violación) de 1692 fue publicado el primer conjunto de sonatas en trío en Francia.

           Pasó toda su vida Marais en Paris. Poco se sabe de su infancia, además de su haber estudiado con Sainte-Colombe. El violinista y maestro más destacado de la época. En 1679 se convirtió en el “Violinista Regular para el Rey”, una posición que ocupó hasta su jubilación en 1725. Estudió compositor con Lully y posteriormente trabajó con él durante toda su carrera como violita en su conjunto. Lully probablemente Marais Animados para componer sus óperas, cuatro Alcide (1693), Baco y Ariadna (1695), Alción (1706) y Semiele (1709). Los cuatro sus típicos Rather tragedias en cinco actos muy en el estilo de Lully y parecía habar, sido bastante exitoso. Ser Alciones escenificado en fecha tan tardía como 1771. Es como el compositor más grande y más importante para el bajo de viola, sin embargo, que Marais es recordado hoy en día.              

PURCELL, Henry (1659)

Biografía

       Como el más grande compositor de Ingles del Barroco. Henry Purcell fue apodado el “Orfeo Británico” por su capacidad de combinar contrapunto Ingles picante con la configura de palabras expresivas, flexibles y dramático. Aunque él escribió música instrumental, incluidas las fantasías violín importantes, la gran mayoría de su predicción fue en el campo vocal/coral. Su única ópera. “Dido y Eneas”, divulgó su dominio absoluto en el manejo del vasto lienzo de la obra que expresivo inclusa números alegres danzas, arias y coros apasionados rollicking Purcell también escribió mucha música incidental para obras de teatro, incluyendo la del Rey Arturo de Dryden. Su música incluye himno de la iglesia, muchos cantos devociónales y otras obras sagradas, pero algunos artículos para los servicios anglicanos.

         Purcell  nació en 1659 a Henry Purcell, maestro de coro de la abadía de Westminster, y su esposa Elizabeth. Cuando tenía cinco años su padre murió, lo que obligó a su madre a reubicaba la familia de seis hijos, en una casa más modesta y estilo de vida. En alrededor de 1668, Purcell se convirtió en miembro del coro de la Capilla Real estudiando con coro maestro Henry Cooke. También tomó clases de teclado de Christopher Gibbons, hijo del compositor Orlando Locke Blow y Matthew. En 1673, Purcell fue nombrado asistente de John Hingeston, el guardián instrumento real. El 10 de septiembre 1677, Purcell se le dio la posición de la Corte de compositor en a los violinista. Se cree, que muchas de sus obras iglesia datan de esta época. Purcell, un virtuoso del teclado grande por su adolescencia lugar en 1679, este éxito Blow como organista en la obras día de Westmimster, cargo que mantendría durante toda su vida. Ese mismo año viola publicación de cinco de la canción del compositor joven en Buenos Choice, John Play Ford y canciones para cantar a la tiorba, laúd o de graves viola. Por la misma época, comenzó a escribir himnos con acompañamiento de cuerdas, completando más de una docena antes de 1685, y las canciones de bienvenida Purcell fue nombrado unote los tres organistas en la Capilla Real en el verano de 1682, su puesto más prestigioso todavía.

          Purcell compuso su primera oda para el día de Santa Cecilia en 1683. Al mes siguiente, después de la muerte Hingeston, fue nombrado guardián real instrumento sin otros cargos. El compositor quedo muy prolífica en la parte media de la década, principalmente la producción de músicas para ocasiones reales. En 1685 el nuevo rey James I, introdujo muchos cambios en la corte, uno de los cuales iba a hacer Purcell el Tribunal clavecinista y compositor. Tocad la Corte. Cerca del final de 1687, el embarazo de María Reina fue anunciado y Purcell recibió encargo de componer un himno para el Salmo 128. Dichosos los que temen al Señor. Muchos otros de sus himnos apareció en 1688, al igual que uno de sus seres más famosos para uno de la iglesia, Cantad al Señor.

            Con la ascensión de William y Mary en el traen el 11 de abrir de 1689, Purcell conserva su puesto como guardián instrumental real y él, junto, con Blow y Demazene Alexander compartió los deberes de los compositores del Tribunas. Con sus deberes reales reducidos, que fue capas de aprovechar las oportunidades, incluyendo la enseñanza y la escritura para otras organizaciones. Uno de los mayores éxitos de Purcell llegó en 1689 con la producción de Dido y Eneas. Luego colaboró con John Dryden en King Arthur de 1691, y también compuso la música de The Faury-Queen (1692), basada en Shakespeare “Sueño de una noche de verano”, ambas producciones también  anotar triunfos. En el último año de su vida Purcell quedó ocupado, escribiendo mucho para el teatro, incluyendo The Indian Queen, dejó incompleto a su muerte el 21 de noviembre de 1695.                                                               

KUHNAU, Johann (1660)

Biografía

         Kuhnau en Geising, Sajonia. Se crió en un religioso luterano familia. A la edad de nueve años, adicionó con sexito para el Kreuzschule en Drede. Cantó en el Kreuzschner Dresdner y estudió con Hering y Bental, después con Vincenzo Albrici.

        En 1680 se trasladó a Zittau, porque Dresde fue golpeado por la plaga. Él ensañó y trabajó en las iglesias Zittau. Kuhnau estudiado tradiciones al francés e italiano, y la izquierda de hebreo, griego y latín también Kuhnau también estudió derecho, de la teniendo el grado de abogado. Ademán de la composición, gran parte de su tiempo lo pasaba como abogado, un poeta y un escritor de nolición. Él precedido Johann Sebastiar Bach como cantor del Thomas Kirche (St. Thomas Church) en Leipzig, dirigiendo el Thomanerchor 1701 a 1722. También fue director musical de junio Paulinerkurche. El Leipzig, Kuhnau enseñado Johann David Heunicher y Christoph Graupner. Kuhnau murió en Leipzig el 5 de junio 1722.

Estilo

        Kuhnau  escribió música sacra en la Biblia historias, como “Las bodas de David Guedejón” y “La Tumbe de Jacob” Una de sus obras para órgano se titula Hiskias, harto y sano de nueve. Kuhnau se acredita como el inventor de la sonata teclado elevando la forma de música de bailes simples. Su una sonata del piso baile., entres movimientos es el primero conocido teclado sonata secular música vocal Kuhnau se ha perdido, pera muchas de sus obras sacia han sobrevivido, incluyendo cantatas, motetes, y cuatro conjuntos de piezas de teclado.

         La cantata de Navidad anteriormente atribuida a Bach BW142, está compuesto probablemente por Kuhnau.     

         

SCARLATTI, Alessandro (1660)

Biografía

          Fue uno de los creadores del estilo napolitano de ópera que predominó durante el siglo XVIII.  Nació en Palermo, Sicilia. Se supone que estudió en Roma con su compatriota, el compositor de oratorios Giacomo Carissimi (1605-1674). Su primera ópera conocida, “L’errore inocente”, se estrenó en Roma en 1679, y en 1684 “Pompeo”, obra de mayor envergadura vio la luz en Nápoles; fue entonces cuando Scarlatti fue nombrado director musical de la corte napolitana. Entre 1702 y 1703 vivió en Florencia bajo el mecenazgo de Fernando de Medici. Fue maestro interino de coro en la Iglesia de Santa Maria Maggiore de Roma desde 1703 hasta 1713. En 1713 regresó  a Nápoles, donde fue director musical para el virrey austriaco y director del Conservatorio di Santidonofrio.

          Entre 1719 y 1723 trabajó en Roma y entre sus protectores allí hay que citar a la reina Cristina de Suecia. Más tarde se trasladó de nuevo a Nápoles, donde vivió hasta su muerte. Fue el primer compositor de ópera, que diferenció con precisión los estilos de aria y del recitativo en sus dramas por musical como llamaba a sus obras. Las oberturas napolitanas siguieron desde entonces la pauta marcada por Scarlatti. Están formadas por tres movimientos (rápido, lento y rápido). Incluyó el aria da capo estructura en tres partes (ABA), que predominó en la ópera de siglo XVIII. Amplió la orquestación operística con trompetas, oboes, flautas, trompas y cuerda. Todas estas innovaciones dieron una forma más rígida a sus otras, contrastando con la libertad que exhiben las que Claudio Monteverde compuso cien años antes. Se conservan unas 70 óperas de Scarlatti y durante el siglo XX se han comenzado nuevamente a programar, después de más de doscientos años de olvido. Sus más de 600 cantatas contienen numerosas innovaciones armónicas que en conjunto representaron un a varios para la música de su tiempo. Es conmovedor su Stebat Mater para dos voces.                    

BRUHNS, Nicolau (1665)

Biografía

          Bruhns nació en Schwabstedt, un pequeño asentamiento cerca de Husum. Venía de una familia de músicas y compositor. Su abuelo Paul (fallecido en 1655), trabajó como laudita en Lübeck. Sus todos eligieron carreras musicales, el padre Bruhns también llamado Pabla (1640 – 1689), se convirtió en organista Schwabstedt, posiblemente después de estudiar con Franz Tender. Nicolás era al parecer un niño prodigio de acuerdo con Ernst Ludwig Gerber, podía tocar el órgano y componer obras compositor patentes para el teclado y voz ya a una edad temprana. Probablemente recibió sus primeras lecciones de música de su padre.

           A  la edad de 12 años, Bruhns, junto con su hermano menor Jorge, fue enviado a Lübeck a vivir con un tío Pedro, que le enseñaría Bruhns el violín y la viola de gamba. Los dos hermanos también estudió órgano y composición. Georg Bemhard bajo Olffen, organista de San Aegidien, y Nicolaus bajo Dieterich Buxtehude. Este último, uno de los mejores comes de su época, que impresionado con los talentos Bruhns y el progreso que él lo consideraba su mejor alumno y, finalmente, lo recomendó para Copenhague. Hay Bruhns trabajó como organista y violinista. El 29 de marzo 1689 compitió para el cargo de organista del siglo en Husum, fue aceptada pon un animizad. En pocos meses se le ofreció un puesto en Kiel, pero declinó cuando las autondades de Husum aumentado su salario. Bruhns permaneció en Husum hasta su prematura muerte en 1697, a la edad de 31 años. Se único hijo, Johan Paul, optó por una carrera en la teología. Bruhns fue sucedido en Husum por su hermano Georg.

Estilo

          Obras sobre viviente Bruhns fue es lamentablemente pequeña sólo el 12 vocales y 5 piezas para órgano son existentes. Las obras vocales incluyen cuatro conciertos sagrados que establecieron un nuevo nivel de virtuosismo en el género, y tres cantatas sagrado madrigal un vínculo directo con el próximo siglo y la obra de Johann Sebastián Bach. Aunque la escritura instrumental en la mayor para de estos trabajos sugieren que Bruhns sólo podía contar con músicas de habilidad promedio hay movimiento como la apertura de la sonatina solo cantata Mein Herzista bereit, esa característica altamente desarrollados, texturas virtuosismo. Bruhns seguro que escribió música de cámara, que puede haber sido de la misma calidad, pero sobre viven ninguno de estos trabajo.

          Las obras comprenden cuatro órgano preludia y una fantasía coral, Nun Komm der Neidennd. La más significativa de estas piezas es el mayor de los dos preludia mi menor, que normalmente se cita como una de las  más grandes obras de la tradición del órgano del norte de Alemania pesar de J. S. Bach afirmaba que su hijo Carl Philipp Emanuel Bach afirmaba que su padre admirado estudiado Bruhns trabajo, ninguna influencia directa ha sido trazada por los estudiosos estación.                            

       

REBEL, Jean-Féry (1666)

Biografía

          Rebel principal de la fascinante encarnada barroco francés, Rebel de era comparativamente hablando, un musical progresivo. Fue bautizado el 18 de abrir en 1666  en una famita parisino. Su padre, Jean Rebel de fue in cantante y una bailarina probable en la corte de Luis XIV, y su tía era uno de los música del Rey de lo cámara. Su hermana mayor Anne-René era también un cantante (que se casó con Michel-Richard de Lalande), y su medio hermane menor era un música al Príncipe de Mónaco. 

          Rebel en 1699, a los 33 años, se había convertidó “Académie Royale de Musique” que violín y en músico de Opera.

          Viejo a España en 1700. A su regreso o a Francia en 1705, se le día un el prestigioso conoció como “Vingt-quatre roy vio lins olu”. Fue elegido Maitre de Musique en 1716, y también llevó a cabo el Concierto Spirituel durante la temporada 1734-1735. Su cargo más importe en la corte fue un compositor. Cámara, recibiendo el título en 1728. Rebel sirvió como compositor de la corte de Luis XIV y maîre de muique en la Academia, y dirigió el Concierto spirituel.

          Rebel fue uno de los primeros músicos franceses para componer sonatas en el estilo italiano. Muchas de sus composiciones se caracterizan por la originalidad sorprendente que incluyen complejos contra-ritmos y armonías audaces que no fueron apreciados completamente por los oyentes de su tiempo. Su “Les caracteres de la danse” músicas combinada con la danza, y se presenta innovadoras invenciones métricas. La obra fue muy popular y se llevó a cabo en Londres en 1725 bajo la dirección de George Frideric Handel. En honor a su maestro, Rebel “se describen como coreografiadas sinfonías”. Entre sus composiciones más audaces originales es “Los Elementos”, que describe la creación del mundo.

           Su hijo rebelde François (1701-1775) también fue unas composiciones y violinista.

           El rebelde Beroque Brchestra, se formó en 1991 fue nombrado en su honor                                       

COUPERIN, François (1668)

Biografía

          Se le conocía como “Couperin el Grande” para distinguirlo de otros miembros de la talentosa musicalmente familia Couperin.

          Couperin nació en Paris. Él fue enseñado por su padre, Charles Couperin, que murió cuando François tenía 10 años, y por Jacques Thomelin. En 1685 se convirtió en el organista de la iglesia de Sain-Gervais, Paris, cargo que heredó de su y que iba a pasar a su primo Nicolás Couperin. Otros miembros te la familia también más tarde ocupó el mismo cargo. En 1693 Couperin sucedió a su maestro Thomelín como orquesta de la capilla real (Capella Real) con el titilo organista du Roi, orquestal cita a Luis XIV.

           En 1717 Couperin se convirtió en orquesta de la corte y compositor con el título “ordinaire de la musique de la chambre du Rui”. Con sus colegas, Couperin dio un de estos concierto sumarial, normalmente el domingo. Muchos de estos conciertos fueron en forma de suites para violín, viola, oboe, fagote y clavecín, de Pamaso, o la Apoteosis, en el cual él era un jugador virtuoso.

             Couperin murió en Paris en 1733.

Estilo

             Couperin desconoció su deuda con el compositor italiano Corelli. Él introdujo Corelli trío sonata forma a Francia. Gran Corelli trío sonata fue subtitulado “Pamaso, o La Apoteosis” de Corelli. En él mezcló lo estilo italiano y francés de la música en un conjunto de piezas que llamó “Estilos Reunited”.

             Su libro más famoso, “El ante de la Clave de juego”, publicado en 1716, con tiene sugerencia para la digitación, el tacto, la osamenta y otras características del teclado técnica.

             Couperin cuatro volúmenes de música para clave publicados de Paris en 1713, 1717, 1722 y 1730, contiene más de 230 piezas individuales, que pueden jugar en solitario o clavecín realiza como iqueñas obras de cámara. Estas piezas no se agrupan en las obras. Surtes, como era la práctica común, pero odres que eran propia versión de Couperin de suites contienen bailes tradicionales, así como piezas representativas. Las piezas primera y última en un orden eras de la misma tonalidad, pero las piezas intermedias podría ser en otras tonalidad íntimamente relacionadas. Estos volúmenes fueron amados por J. S. Bach y, mucho más tarde, Richard Strauss, así como  Maurice Ravel, que con memora de compositor con “Memorial de Couperin”.

             Muchas de las piezas del teclado de Couperin tienen títulos evocadores, pintorescas y expresar en estado de ánimo a través de elecciones clave, armonías y discordias aventureros (resuelto). Han sido comparados con poemas sinfónicos en miniatura. Estas características atraídas Richard Strauss, que orquestó algunos de ellos.

             Johannes Brahms músicas piano fue influenciado por la músicas para teclado de Couperin. Brahms interpretó músicas de Couperin en público y contribuyó a la primera edición completa de Couperin “Pièces de clavecin” por Friedrich Chrysander en la década de 1880.

             El experto en músicas antigua Jord Savall ha escrito, que Couperin fue el “músicas poeta por excelencia”, que creía en “la capacidad de la Música a expresarse en prosa y poesía, y que “si entramos en la música descubrimos que lleva la gracia que es más bella que la belleza misma”

             Órganos. Sólo una colección de músicas de órgano de Couperin sobre vive, las “Pieces en Organo consiste en dos masas”, el primer manuscrito de los cueles aparecieron en tomo a 1689-90. A la edad de 21, Couperin probablemente no tenía ni lo fondos ni la reputación de obtener amplia difusión, pero el trabajo fue aprobado por su maestro, Michel Richard Delalande, quien escribió que la música era “muy bonita y digna de ser dada al público”. Las dos masas estaban destinadas a diferentes públicos: el primero para las parroquias o iglesia seculares, y el segundo para los conventos o iglesias abadía. Estas masas se dividen en varios movimientos de acuerdo con la estructura tradicional de la misa en latín: Kyrie (5) movimientos, Gloria (9), Sanctus (3), Agnus (2), y un adicto de Offertoire y Deo gratias a la conclusión de cada masa conclusión.

             Couperin seguido técnicas utilizadas en masas por Nivers, Lebègue y Boywn, así como otros precursores de la era barroco francesa. En el paroisses misa, él usa canto llano de la Missa cunctipotens Deus genitor como un cantus firmus en dos movimientos Kyrie y en el Sanctus primero, el Kyrie Fuga tema se deriva de un incipit canto. La misa para couvents no contiene canto llano, ya que cada convento y monasterio mantiene su propio cuerpo no entender de canto. Lo se aparta de sus predecesores muchos aspectos. Por ejemplo, las melodías de las recita son estrictamente rítmicas y más direccional que los ejemplos anteriores del género. Willi Apel, escribió: “esta música muestra un sentido del orden natural, una vitalidad y una sensación de inmediatez que se rompe en la músicas de órgano francesas como un viento fresco”

             La mayor parte de la colección es la Offertoire sur le grands jeux de la primera misa, que se asemeja a una ampliación de obertura francesa en tres grandes apartados: un preludio, una fuga cromática en menor de edad, y un giga, fuga –como Bruce Gustaf son tiene el llamado una “obra maestro impresiónate del repertorio clásico francés”. La segunda misa también contiene un Offertoire con una forma similar, pero esta Misa no se considera como la primera maestro: Apel escribió “En general, Couperin no festivos sin duda importantes en el órgano de Saint-Gervais”                                                             

MARCELLO, Alessandro (viejo) (1673)

Biografía

         Mucho de lo que se sabe acerca de  Alessandro Marrcello  no proviene de sus compositores picos, sino de sus actividades profesionales y sociales carrera como miembro de la nobleza veneciana, Tanto él como su hermano más famoso Benedetto estudió derecho y eran miembros el sumo consejo del consejo en la ciudad estado. Alessandro fue educado en el Colegio de San Antonio, y luego se unió a la sociedad Arcadias veneciano, la Academia degli Animosi en 1698, y sirvió  a la ciudad como diplomático en el Levante y el Peloponesio en el año 1700 y 1701. Después de regresar a Venecia, se enfrentó a una se serie de cargos judiciales mientras incursionando en varios esfuerzos creativos. Fue el responsable de pinturas encontradas en los palacios de la familia y la iglesia parroquial y después de unirse a la sociedad literaria, la Accademia della Crusca, publicado ocho libros de coplas: “Ozii, giovanili” en 1719. Ese mismo año, fue nombrado director de la Accademia degli Animosi, y como tal, él hizo mucho para ampliar su colección de instrumentos musicales, muchos de los cuales están ahora en el Museo Nación al Roma de Instrumental-Musicales.

Estilo

         Producción compositiva de Marcello es pequeño, que consiste en no mucho más de una docena de coda una de las cantatas de cámaras, sonatas para violín y conciertos. La mayoría de sus obras fueron publicadas bajo el seudónimo de “Eterio Stinfalico”, que es una de las razones por las que no se conocía hasta mediados del siglo XX que del teclado de Bach. “Concierto en Re menor, BWV 974”, era una trascripción de Oboe de Marcello: “Concierto en re menor”, y aun así, tanto el Bach y el “Concierto para Oboe”, aún se atribuyó a Benedetto Marcello. Su cantatas se ocupa principalmente de yemas pastorales y contenía referencias de actualidad, y, como corresponde a su puesto en la sociedad, fueron la clara intención de Venecia y de las mejores cantantes de Roma, como Farinelli, Checchino, Laura y Predien Virginia, y el estudiante de Benedetto, Faustina Bordon. Sus obras instrumentales reflejo un conocimiento y comprensión de diferencias en la músicas francesa, italiana alemana de la época, incluyendo la elección de los instrumentos, tanto para el solista y bajo continuo y el uso de piezas de ornamentación. De todas sus obras, lo que es más conocido es el “Adagio del Concierto para Oboe”, que se ha convertido en un elemento básica de las colecciones de música de la boda.               

  

VIVALDI, Antonio (1679)                                                                                                          

Compositor clase: Arias para Óperas 89 – Cantatas 39 – Coral para Ócamperas 2 – Conciertos 1069 – Motetes 97 – Óperas 39 – Orquestales 54 – Sacras 118 – Sonatas 131 – Trío sonatas 122.

Música compositor:

Concierto para violín Op. 3 - La Stravaganza, 12 conciertos para violín, Op. 4 (1714 - Concierto   

para violín. Op. 5 (1716) –Conciertos para violín, op. 6 (1721) – Doce conciertos, op. 7 (1716 – 17) – II cimento dell’Aimionia e dell’inventione. Op. 8 (1723) – (Le quattro stagioni (1723)) – Mandolina Concierto, RV425 (1725) – La Cetra, op. 9 (1727)

Seis Flauta Conciertos, op. 10 (1728) – Seis Conciertos op. 11 (1729) – Seis Conciertos para violín, op. 12 (1729) – II magnate gran concierto (1730) – Laúd Concierto, RV93 (1730)

Óperas

Ottone in villa (1713) – Orlando furioso (RV819) (1714) Bib– Orlando pazzo finto (1714) – Narone fatto Cesare (1715) – La costanza tionfante de gl’amori e de gl’odii (1716) – Arsilcia, regina di Ponto (1716) – L’incoronazione di Darío (1717) – Tieteberga (1717) – Armida al campo d’Egitto (1718) – Scanderbeg (1718) – Teuzzone (1718) – Tito Manlio (1719) – Le Verita en cimento (1720) – La Silvia (1721) – Ercole su’l Termodonte (1723) – Giustino (1724) – Dorilla en Tempe (1726) – Famace (1727) – Orlando furiosa (RV 728) (1727) – Atenaide (1728) – Argippo (1730) – Alvilda regina de ‘Goli (1731) – La fida Ninfa (1732) – Motezuma (1733) – La olimpiada (1734) – II Tameriano (1735) – Griselda (1735) – Catone en Utica (1737) – L’oracolo en Masenia (1737)

Música sacra

Ayrie  Gloria – Credo – Magnificas – Stabat Mater – Nulla in mundo pax sincera – Introduzion – Triumphans Juditha

LOEILLET, Jean-Baptista de Londres (1680)

Biografía

          Loeillet se trasladó en Londres. Fue un flautista excepcional y oboísta. Loeillet también jugó en el Teatro de la Reina banda ópera. Alrededor del 1710, Loeillet que se había convertido en una figura prominente de la vida musical de Londres, comenzó una serie de conciertos semanales en su casa en el jardín de Convent. En uno de estos conciertos, en 1714, introdujo el Loeillet Inglés a Grossa Arcanuelo Corelli Concerti, op. G. Perece que Loeillet, a pesar de que sus obras para clave no son sus composiciones más inspiradas, se convirtió en un maestro de clavicordio de moda en Londres. De hecho, sus nueve suite, aunque las composiciones agradables y bien elaborado escritos para jugadores aficionados, palidecen en composición con sus otras obras. Por ejemplo mientras que sus sonatas para flauta y oboe parecer bastante tradicional, con a parte de bajo subordinado a los instrumental agudos, las voces superiores sus finamente equilibrado, dando una textura agradable. Más interesantes son sus sonatas trío para dos flautas, en el que las melodías agudas parecen más interesantes peso que siguen siendo, sin embargo, en un contestó tradicional, formal predecible. Curiosamente, sus composiciones más logradas sus las sonatas en trío para dos violines, que se basan en el legado de Vivaldi y Corelli. Desde haber absorbido el lenguaje técnico y temático de la escuela de violín italiano escrito Loeillet de concilia tradición y la creatividad artística. Estas obras, como musicólogos han escrito, puede recordar a los oyentes del estilo contrapuntístico algo más sofisticado de Loeillet primo, Jean-Baptista Loeillet de Gante. Eclipsado, tal vez, por su prima más cosmopolita, Loeillet fue sin embargo muy apreciado en Londres, donde pasó el resto de su vida. De hecho, su música también era conocida en las colonias americanas.                          

LOEILLET, Jacques (1685)

Biografía

         Él oboito murió a no menor de Londres, oboísta y compositor. Nacido en Gante, fue el Elector de Baviera (que residía en los Países Bajos como oboísta. En 1726, cuando el Elector regresó a Munich, Loeillet le siguieron. Más tarde fue Luis XV en Versalles como hautbois de la chambois du roi. En 1746, hacia el final de su vida lo volvió Gante. Entre sus obras destacas dos conciertos para oboe y cuerdas, seis sonatas para trío y seis sonatas para violín (o flauta) y bajo continuo.   

BACH, Johann Sebastián (1685)

Compositores es de obras presenta:

Catalogo – Cantatas – Armonizaciones corales – Obras Fugal – Conciertos para teclado – Trabaja para un solo instrumento de teclado – Transcripciones – Suites orquestales – Seis para violonchelo solo – Sonatas y partitas para violín solo (1720) – Concierto de Brandenburgo (1721) – En clave bien temperado (1722) – Cuaderno de Anna Magdalena Bach (1722 - 1725) – Cantatas (tres ciclos anuales de cantatas de iglesia de 1723) – Magnificat (1723) – Pasión según San Juan (estructura, discografía) (1724) – Cantatas Corales (1724) – Oratorio de Pascua (1725) – Partitas para teclado (1727 – 1730) – Pasión según San Mateo (estructura discografía) – Masas cortos (1733 – 1735) – Magnificota (1733) – Oratorio de Navidad (1734) – Clavier-Übung III (1735 – 1736) – Gran Dieciocho Coral Preludies (1740 – 1750) – Variaciones Goldberg (1741) – La Ofrenda Musical (1747) – Schübler Corales (1748) – Misa en si menor (estructura discografía) (1749) – El arte de la fuga (1750)

Estilo musical

         El entino musical de Bach se levantó de su habilidad en la invención contrapuntística y control motivita, su talento para la improvisación, su exposición al norte y sus alemán, italiano y la francesa, y su devoción a la Luterana liturgia. Su acceso a las músicas, partituras e instrumentos como un niño y un joven y su talento emergente para escribir la música de tejido apretado de potente sonoridad le permitió desarrollar un estilo musical ecléctico, enérgico en el que las influencias extranjeras se combinaron con una versión intensificada del lenguaje musical alemán preexistente. A partir del periodo 1713-1714 en adelante él aprendió mucho del estilo de los italianos.

         Durante el periodo barroco, muchos compositores escribieron sólo el marco y artistas adornados este marco con adornos y otra elaboración. Esta práctica varías considerablemente entre las escuela de músicas europea, Bach nótate la mayoría o todos los detalles de sus líneas melódicas, dejando poco para los artista a interpolar. Esto representó su control sobre las densas texturas contrapuntisticas que estaba a favor y la disminución de margen de maniobra para la variación espontáneo las líneas musicales. Al mismo tiempo, Bach délo la instrumentación de las obras más importantes, incluyendo el arte de la fuga abierta.

         Relación devota de Bach con el Dios cristiano en la tradición luterana y la gran demanda de la música religiosa de su época colocó la música sagrada en el centro de su repertorio. Él enseña Catecismo Menor de Lucero como el Thomaskantor en Leipzig, y algunos de sus piezas lo representan la luterana sintonizar himno coral fue la base de gran parte de su obra. Escribió más convincentes preludio corales estrechamente integradas que la mayoría. La estructura a gran escala de algunos de obras sacras de Bach es una prueba de sutil, elaborada planificación. Por ejemplo la Pasión según San Mateo ilustra la Pasión con el texto bíblico se refleja en recitativos, arias, coros y corales.

 Unidad de Bach para  mostrar logros musicales era evidente en su composición. Escribió mucho para el teclado y llevo su elevación de continuo para instrumento solista con conciertos para clavecín y teclado obbligato. Bach produce colecciones de movimiento que exploraron el abanico de posibilidades artísticas y técnicas inherentes a varios géneros. El ejemplo más famoso es “El clave bien temperado”, en el que cada libro presenta un preludio t fuga en todos los tonos mayores y menores. Cada fuga muestra una variedad de técnicas de contrapunto y fugadas.            

HÁENDEL, Georg Friedrich (1685)

Es unas obras presenta:

Óperas

Almira (1706) –  Agripina (1709) – Rinaldo (1711) – Julio César en Egipto (1724) –

Tanierleno (1724) – Rodelinda (1725) – Xerxes (1739) – Deldemia (1741)

Obras

1706: Suite para harpsichord Nº 4, HWV 437- (1710): Concierto para trompeta y órgano -                                                         1717: Música acuática, HWV 348-50 - 1727: Zadok the Priest, HWV 258 -

1734: Donna che in ciel di tanta, HWV 234 – 1736: Concierto arpa y orquesta, op. Nº 6, HWV 294

1742: El Mesías HWV 56 – 1743: Sansón – 1746: Judas Macabeo 63 –

1741: Música reales fuegos artificiales, HWV 251 – 1749: Salomón HWV 67

El arte de andel

         El estilo de Händel es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época, tomando los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado, como sus compototas contemporáneos Bach y Telemann, donde además se añade el estila inglés de Purcell, al que andel le da un nuevo y vigoroso empuje, siendo el verdadero continuador de este compositor. Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Händel era un auténtico cosmopolita de su tiempo.  

         Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque vocal del bel canto de la italiana la elegancia y solemnidad de la escuela francesa y la audacia, sencillez y fuerza de la inglesa. Händel es un fiel continuados de estos estilos y técnicas, en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de de la primera mitad del siglo XVIII, aunque como Rameau, su música, especialmente en óperas y oratorios, adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental triunfante, poderoso y solemne que es único entre la música de su tiempo.

         Generalmente, su producción tiene una estructura simple y sencilla, lenguaje vocal en la línea del bel canto italiano pero templado y conteniendo un pudor expresivo que recuerda a Purcell en vez de a los compositores italianos, cuyas cualidades cautivan rápidamente al auditorio, donde domina la melodía y la homofonía. Es, en esencia, de corte mayormente italiano, que es el estilo más presente en su música y el que más ha influenciado en todos los aspectos uno buena dosis de adornos francesa a él, y lega hizo todo de posible para desarrollarse en un buen artesano. Su    

LOEILLET, Jean-Baptista de Gante (1688)

Biografía

         Creció en Gante, pero en algún momento se trasladó a Francia para servir al arzobispo de Lyón allí y murió de 1720.

Estilo

         Loeillet de Gante se puede resumir muy fácilmente como compositor tomó el estilo reinante italiano de música de cámara, ha añadido uno buena dosis de adornos francesa a él, y luego hizo todo de posible para desarrolladse en un buen artesano. Su catálogo no es importante –algunas decenas de sonatas y sonatas para trío de vientos o violín y bajo continuo, y algunas sonatas (dúos) para dos flautas no acompañados- pero imbuido de la músicas que él escribió con una profundidad de interés con una profundidad de interés contrapunto un pariente equilibrio de importancia entre todas las vocee y partes, que es relativamente poco común pero la música de su tiempo y que lo hace valioso a pesar de si volumen.

HASSE, Johann Adolph (1699)

Biografía

         Célebre compositor alemán, conocido en Italia como “II caro Sassone”, nació en 1699 y murió en 1783. Discípulo de Pórpora y de Scerlati, miembro de una familia de organista. Fue tenor en la Opera de Hamburgo y en la de Buaurchweig, desde se presentó como compositor en 1721 con Antioco. En 1722 fue discípulo de Porpora y Scartlatti en Nápoles, ciudad en la que consiguió varios éxitos entre 1726 y 1729, Fue maestro de capilla del duque de Brunswick y en 1727 en el Conservatorio deglo Incurabil de Venecia, donde escribió su Miserere, a la vez que era maestro supernumerario de la Capilla Real de Nápoles. Tras varías representaciones en Italia, en 1731 triunfó de Dresde con “Cleofide”, lo que le proporcionó ser nombrado maestro de capilla del rey de Polonia y del príncipe elector de Sajonia. A partir de entonces se inició un periodo fecundo, de casi treinta años, en su producción. Para la corte de Drede escribió una serie de cantatas romanas y iglesia de lo Corte varios oratorios y numerosos obras religiosas. Pero sus compromisos en Drede no limitaban las presentaciones en otros escenarios, principalmente de Italia. Fue uno de los compositores más apreciados de su época y en él se encarna la plenitud de la ópera de estilo napolitano tardío. En sus óperas serie superó a sus contemporáneos y durante cuarenta años permaneció fiel a su estilo. Durante el bombardeo de Drede en 1760, un incendio en su casa destruyó sus obras completas, dispuestas para ser grabadas. La muerte del príncipe elector de Sajonia (1763) hizo que Hasse fuese despedido sin pensión y ese mismo año se estableció en Viena tras interpretar su Réquiem. En esta ciudad compuso varias obras por encargo de la Corte. En sus últimas creaciones intentó nuevas formas musicales y su ópera “Piramo e Tisbe” (1768) supuso un intento de adhesión a la reforma de Gluck. Sus principales obras son: “Aníigono”; “Sesostrato”; Atalo, rey de Bitinia”; “Artajerjes”; “Arminia”; “Cayo Fabricio”; “Demetrio”; “Alejandro en la India”; “Catón en Utica”; “Euristeo”; “Atelanta”; “La Clemencia de Tito”; “Alfonso”; “Irene”; “Demetrio”; “Numa Pompilio”; “Dido abandonada”; “La Espartana”; “ Semi ramis”; “Demofonte”; “Ipermnestria”; “Soliman”; “Adriano en Siria”; “Artemisa”; “La Olimpiada”; “El triunfo de Clelia”; “Egeria”; “Siroe”; “Zenobia”; “Romulo y Ersilia”; “Piramo y Tisbe”; “Partenope”; “Rogelio”; “La virtud al pie de la cruz”; “La caída de Jericó”; “Magdalena”; “El cántico de los tres mancebos”; “La conversión de San Agustín”; “José reconocido”; “La penitencia de San Pedro; “Santa Elena en el Calvario”; oratorios y una multitud de piezas de música de iglesia y de música instrumental.                                                    

HAYDN, Joseph (1732)

Biografía

         Nació de 1732 en Rohrau, Austria, murió en Viena.

         “Padre de la Sinfonía” y “Padre del Cuarteto de cuerda”

         Es el compositor que, más que ningún otro, personifica los objetivos y logros de la era clásica. Quizás su logro más importante fue que desarrollo y evolucionó de innumerables formas sutiles, el principio estructural más influyente en la historia de la música: su perfección del conjunto de expectativas conocido como forma de sonata tuvo un impacto de época. El cientos de sonatas instrumentales, cuartetos de cuerdas y sinfonías, Haydn abrió nuevos caminos y proporcionó modelos duraderos; de hacho, fue uno de los creadores de estos géneros fundamentales de la música clásica. Su influencia sobre compositores posteriores es inconmensurable. El alumno más ilustre de Haydn, Beethoven, fue el beneficiaria directo de la imaginación musical del maestro mayor, y la sombra de Haydn se esconde dentro (y a veces se cierne) sobre la música de compositores como Schubert, Mendelssohn y Brahms.

         Parte de la maestría formal de Haydn fue su famoso sentido del humor, su sentimiento por el  imprevisible y elegante giro. En la “Sinfonía No. 94 (Sorpresa)” (1791), el compositor ajusta a los miembros de la audiencia que normalmente se quedan dormidos durante movimientos lentos con la repentina e inesperada intrusión de un acorde fortísimo durante un pasaje de quietud. El sentido pictórico de Haydn está muy en evidencia como su oratorio épico, “El Creación” (1796 – 1798), en el que las imágenes del cosmos que toman. Según una estimación, Haydn produjo unas 340 horas de música, más que Bach o Handel, Mozart o Beethoven. A algunos de ellos les falta algún detalle inesperado o una solución inteligente para un problema formal.

         Haydn fue prolífico no solo porque era un trabajador incansable con una imaginación musical inagotable, sino también por las circunstancias de su carrera musical: fue el último beneficiario destacado del sistema de noble patrocinio que había alimentado la composición musical europea desde el Renacimiento. Nacido en el pequeño pueblo austriaco de Rohrau, se convirtió en un coro en la catedral de San Esteban en Viena cuando tenía ocho años. Después de que su voz se quebró y lo sacaron del coro, se ganó una vida precaria como un músico adolescente independiente en Viena. Su fortuna comenzó a girar a fines de la década de 1750 cuando los miembros de la familia noble de Viena se dieron cuenta de su música, y el 1 de mayo de 1761, se fue a trabajar para la familia Estrházy. Permaneció en su empleo durante los próximos 30 años, escribiendo muchas de sus composiciones instrumentales y óperas para interpretar en su vasto palacio de verano, Estrházy.

         Es cierto que la creatividad musical a menudo tiene un final trágico, paro Haydn vivió el tiempo suficiente para cosechar las recompensas de su propia imaginación y esfuerzo Los Estrházy redujeron sus actividades musicales en 1790, pero en ese momento Haydn era conocido en toda Europea y era considerado el mejor compositor vivo (Él mismo aplazó a Mozart en ese sentido, y la competencia amistosa entre los dos compositores profundizó la música de ambos). Dos viajes a Londres durante la década de 1790 dieron como resultado dos conjuntos de seis sinfonías cada uno (entre ellos la sinfonía “Sorpresa”) que sobren piezas centrales del repertorio orquestal. Las obras maestros finales de Haydn incluyeron obras  corales poderosas: los oratorios de “Creación” y “Temporadas” y un grupo de seis masas. Haydn dejó de componer en 1803, después de lo cual inició su correspondencia con una pequeña cita musical (de una de sus canciones) con el texto “Lo que se acabó es mi fuerza; soy viejo y débil”. Murió en Viena en 31 de mayote 1809.                                            

SALIERI, Antonio (1750)

Biografía

         Compositor italiano cuyas óperas fueron aclamadas en toda Europea fines del siglo XVIII.

         A la edad de 16 años, Salieri fue llevado a Viena por FL Gassman, el compositor de la corte imperial y director de música, y fue presentado al Emperador José II. Durante el mismo período, Salieri también  fomentó importantes amistades con Pietro Metastasio y Christoph Gluck. La primare ópera de Salieri, “La donne letterate”, se produjo en el Burgtheater de Viena en 1770. Cuatro años más tarde, el imperial lo convirtió en el compositor de la corte, y en 1788 se convirtió en Hofkapellmeister, una posición que Salieri ocupó durante 36 años. Durante su carrera oficial, compuso óperas no solo para teatros en Austria sino también para compañías en Francia e Italia. Desde 1783 fue un partidario influyente y colaborador frecuente de Lorenzo Da Ponte, que también se convirtió en el libretista más importante de Mozart. Su obra mas conocida fue la ópera francesa “Tarare” (1784), traducido por Da Ponte al italiano como “Azur, re d’Ormus”, que el público vienes prefería al “Don Giovanni” de Mozart. La última ópera de Salieri se realizó en 1804, y luego se dedicó a componer música sacra, También fue un maestro importante; entre sus alumnos se encontraban Beethoven, Franz Schubert y Franz Liszt.

         A lo largo de su vida, Salieri se mantuvo amistoso con Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, a quienes les había dado lecciones de contrapunto y a quienes dedicó las “Tres Sonatas para violín, op. 12” (1797), a él. La relación de Salieri con Mozart ha sido objeto de mucha especulación. Sin embargo, hay poca evidencia de las supuestas intrigas y comentarios dañinos de Salieri contra Mozart; de hecho, el mismo Mozart comentó en una carta sobre la recepción favorable de Salieri de “La flauta mágica”. También hay fundamento para creer que Salieri intentó envenenar a Mozart, una leyenda que fue la base de la ópera “Mozart et Salieri” de Nikolay Rimski-Korsakov (1898), basada relato de Pushkin de 1830. La relación entre los dos compositores recibió un tratamiento especulativo adicional en la obra de Peter Shaffer, “Amadeus” (1980; filmada en 1984)                                           

MOZART, Wolfang Amadous (1756)

Biografía

           Él de fuera a Viena para estudiar. Aunque la murió de Mozart en 1790 hazo que estos planes no pudieran con realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con la composición austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principias clásicos por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa como el último de los clásico y el primero del los romántico.    

Es unas obras presenta:

Obras

1762: Sonata para violín Nº 1, KV 6 – 1773: Exultate Jubileta, K 165 –                                                                                        1775: Concierto violín y orquesta Nº 3, K 216 – 1775: Concierto violín y orquesta Nº 4 K 218 – 1777: Concierto piano y orquesta Nº 9, K 271 “Jeuneomme” – 1778: Concierto flauta y arpa, K 299 – 1778: Concierto flauta y orquesta Nº 2, K 314 – 1778: Misa de Coronación, K 317 –  

1778: Sonata Nº 11, K 331, “Alla Turca” – 1779: Minuto para divertimento, K 334 –

1780: Vesperal Solemnes de Confesor, K 339 – 1781: Serenata Nº 10, K 361 “Gran Partita” –

1781: Sonata para 2 Pianos, K 448 – 1782: Concierto para Trompa Nº 1, K 412 –

1783: Concierto para piano Nº 13, K 415 – 1783: Concierto para Trompa Nº 2, K 417 –

1783: Concierto piano y orquesta Nº 20, K 466 –

1785: Concierto piano y orquesta Nº 21, K 467 “Elvira Madigan” –

1786: Concierto piano y orquesta Nº 23, K 488 – 1787: Quinteto de cuerda, K 516 –

1788: Pequeña serenata, K 526 – 1788: Quinteto para Clarinete, K 581 –

1788: Sonata para piano Nº 17, K 570 – 1789: Concierto piano y orquesta Nº 22, K 482 –

1791: Ave Veruni Corpus, K 614 – 1791: Concierto para clarinete, K 622 – 1791: Réquiem, K 626

Sinfonías

1765: Sinfonía Nº 4 – 1768: Sinfonía Nº 7 – 1773; Sinfonía Nº 25 – 1779: Sinfonía Nº 32 -

1782: Sinfonía Nº 36 “Haffner” – 1786: Sinfonía 38 “Praga” – 1788: Sinfonía Nº 40 –

1788: Sinfonía 41 “Júpiter”

Óperas

Apollo et Hyacinfhus (1767) – Bastián y Bastiana (1768) – La Finta Semplice (1769) –

Mitridates, Rey del Ponto (1770) – Ascanio in Alba (1771) – El Sueño de Escisión (1772) –

Lucio Silla (1772) – La Jardinera Fingica (1775) – El Rey Pastos (1775) – Zaide (1780) –

Idomeneo, Rey de Creta (1781) – El Repto en el Serrallo (1782) – Las Bodas de Figaro (1786) – Don Giovanni (1787) – Los Fan Tutte (1790) – La Clemencia de Tito (1791) –

La Flauta Mágica (1791)

Estilo musical

         La música de Mozart, como es Haydn, se erige como un arquetipo del estilo clásico. En el momento en que comenzó a componer, la música europea estaba dominada por el estilo galante, una reacción contra la complejidad altamente evolucionada altamente evolucionada del barroco. Progresivamente, y en gran parte en manos del propio, Mozart, los contrapuntisticas complejidades. del barroco tardío surgieron una vez más moderado y  disciplinado por nuevos formas, y adaptado a un nuevos entorno estético y social. Mozart fue un compositor versátil, y escribió en todos los géneros principales, incluyendo la sinfonía, ópera, el concierto para solista, música de cámara incluyendo cuerda, y quinteto de cuerdas y piano sonata. Estas formas no eran nuevos, pero Mozart avanzaron su sofisticación casi sin ayuda desarrolló y popularizó el clásico concierto para piano. Escribió una gran cantidad de música religiosa, incluyendo grandes masas, así como danzas, divertimentos serenatas, y otras formas de entretenimiento ligero.

         Los rasgos centrales del estilo clásico están todos presentes en el músico de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son las características de su trabajo, pero las nociones simplistas de su delicadeza enmascarar el poder excepcional de sus mejores obras, como el  Concierto para piano, Nº 24 en do menor, K 491, la Sinfonía Nº 40 en sol menor, K 550, y la ópera Don Giovanni.  Charies Rosen hace que el punto de fuerza.

         Especialmente durante la última década. Mozart explotó cromática armonía en un grado poco común en la época con la garantía de notable y con gran efecto artístico.

         Mozart siempre tuvo un don para la absorción y adaptación de características valiosas de la música de otros. Sus viajes ayudaron en la forja de un lenguaje compositivo único. En Londres cuando eran niños, conoció a J.C.Bach y escucho su músico. En Paris, Mannheim y Viena se reunió con otras influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de Mannheim. En Italia se encontró con la obertura italiano y la ópera bufa, ambos de los cuales afectó profundamente la evolución de su propia práctica. En Londres e Italia, el estilo galante fue en el ascendentes: música sencilla, ligera, con la manía de la cadencia un énfasis en la tónica, dominante, y subdominante a la exclusión de otras armonías, frases simétricas, y claramente articulada particiones en forma general de movimientos. Algunas de las primeras sinfonías de Mozart son oberturas italianas, con tres movimientos que se ejecutan en la otras muchos son homo tonales (los tres movimiento que tienen la misma tonalidad, con el movimiento medio lento estar en el relativo menor). Otros imitan las obras J.C, Bach, y otros muestran las simples formas binarias redondeadas resultaron de compositores vieneses,                   

         Como maduró Mozart progresivamente incorpora más características adaptadas de Barroco. Por ejemplo, la Sinfonía Nº 29 en la mayor, K 201tiempo un tema principal contrapunto en su primer movimiento y la experimentación con longitudes de fueses irregulares. Algunos de sus cuartetas de 1773 tienen los finales fugados, probablemente influenciado por Haydn, que había  incluido tres estos episodios finales en su recientemente publicado Opus 20 set. La influencia del Stu und Dreng período en la música, con su breve anticipo la época romántica, es evidente en la música de ambos composiciones de la épocas. De Mozart Sinfonía Nº 25 en sol menor K. 183 es otro excelente ejemplo.

         Mozart veces cambiaria su foco entre óperas y música instrumental. Produjo óperas en cada uno de los estilos predominantes: la ópera bufa, como Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Cosi fan tutte, óperas se seria, como Idomen, y Singspiei, de los cuales  Die Zauberflote es el ejemplo más famosa por cualquier compositor. En sus óperas posteriores empleó cambios sutiles en la instrumentación la textura orquestal, y el tono del color, la profundidad emocional y para marcar los dramáticos. Aquí sus avances en la óperas y la composición instales interactuaron, su uno cada vez más sofisticado de la orquesta en las sinfonía

conciertos influyó en su orquestación de óperas y su sutileza en desarrollo en el uno de la orquesta a efecto psicológico en sus óperas fueron a su vez se refleja en su no más tarde composiciones operísticas.

BEETHOVEN, Ludwig van (1770)

Biografía

         Compositor alemán, considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultados aunque excesivamente rígido. Sus  primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre que era tenor en la capilla de la corte.

         En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como música de la corte para mantener a su familia. Sus orimeras obras bajo la tutela del compositor alemán.

         Christian Gottlou Meefe la fúnebre por la muerte del especial José II, mostraban ya una gran inteligencia y se pensó en la posibilidad de que se fueras Viena para estudiar.    

Es unas obras presenta:

Música de Orquestal

         Sinfonías:

                  “Sinfonía Nº 1 en do mayor” (1800)

                   “Sinfonía Nº 2 en re mayor” /1802)

                   “Sinfonía Nº 3 en mi bemol mayor, “Heroica” (1804)

                   “Sinfonía Nº 4 en si bemol mayor” (1806)

                   “Sinfonía Nº 5 en do menor” (1808)

                   “Sinfonía Nº 6 en fa mayor, “Pastoral” (1808)

                   “Sinfonía Nº 7 en La mayor” (1812)

                   “Sinfonía Nº 8 en fa mayor” (1812)

                   “Sinfonía Nº 9 en re menor, “Coral” (1824)

         Conciertos

                   “Concierto para piano Nº 0 en mi bemol mayor” (1784)

                   “Concierto para piano Nº 2 en si bemol mayor” (1795)

                   “Concierto para piano Nº 1 en Do mayor” (1797)

                   “Concierto para piano Nº 3 en do menor” (1801)

                   “Triple Concierto para violín, violonchelo y piano en do mayor” (1803)

                   “Concierto para violín en re mayor” (1806)

                   “Opus 61: Concierto para piano en re mayor” (1806)

                   “Concierto para piano Nº 5 en mi bemol mayor, “Emperador” (1810)

                   “Hess 13: Romance en mi menor de 3 solistas y orquesta”

                   “Hess 15: Piano Concierto Nº 6 en re mayor” (1815)

                   “Anh. 7: Concierto para piano (Allegro)” (falta de un concierto – 1813)

         Otros obras para solista y orquesta

                   “Rondo para piano y orquesta en si bemol mayor” (1793)

                   “Romance para violín y orquesta Nº 1 en sol mayor” (1802)

                   “Romance para violín t orquesta Nº 2 en fa mayor” (1798)

                   “Fantasía Coral” (Fantasía en do menor para piano, color y orquesta” (1808)

                   “Hess 12: Concierto para oboe en Fa” (fragmento)

         Oberturas y música incidental

                   “Las criaturas de Prometeo”, obertura y el ballet de la música, (1801)

                   “Coriolan” Obertura (1807)

                   “Egmont” obertura y la música incidental (1810)

                   “Victoria de Wellington” (“Battle Symphony”) (1813)

                   “Las Ruinas de Atenas”, obertura y la música incidental (1811)

                   “El rey Esteban”, obertura y la música incidental (1811)

                   “Zur Nemensfeier” (festividad), obertura (1815)

                   “Consagración de la Casa”, obertura (1822)

         Óperas

                   “Leonore” primero versión en tres actos (1805)

                   “Leonore” segunda versión en dos actos (1806)

                   “Fidelio” versión final en dos actos (1814)

Música de Cámara

         Trío:         

Tríos de piano: 12

                  Cuartetos para piano: 4

                   Tríos de cuerdas: 6

                  Otro: 1

         Cuartetos de cuerda

                   Temprano: 8

                   Medio: 5

                   Tarde: 6

         Quintetos de cuerda: 5

         Música de Cámara con vientos: 14

         Sonatas para instrumento solista y piano

                   Sonatas de violín: 10

                   Sonatas para violonchelo: 5

                   Sonata de trompa: 1

                   Otros: 3

Música de piano en solitario

                   Sonatas para piano: 32

                   Variaciones: 21

                   Bagatelas: 9

                   Otros obras para piano: 7

La música vocal

                   Coral: 26

                   Canciones: 52

                   Arreglos Folk: 92

                   Obras vocales seculares: 37

                   Música para banda de viento: 2

Estilo Musical

         Beethoven es reconocido como uno de los gigantes de la música clásica, que se denomina en ocasiones como una de las “es tres B (junto con Bach y Brahms) que personifican esa tradición. También es la figura centras de la transición entre el clasicismo musical siglo XVIII y en romanticismo del siglo XIX, por la profunda influencia que ejerció sobre las siguientes generaciones de música.      

Visión general

         Beethoven compuso obras en uno amplia variedad de géneros y para amplia gama de combinaciones de instrumentos musical. Sus obras para orquesta sinfónica incluyen nueve sinfonías  

(la Novena sinfonía incluye un coro) y alrededor uno docena de piezas de música “ocasional”. Compuso nueve conciertos para uno o más instrumentos solistas y orquesta así como cuatro obras cortas que incluyen a solistas acompañados de orquesta. Fidelio es la única dos óperas que escribió entre sus obras vocales con acompañamiento orquesta, se incluyen dos misas y una serie de obras cortas.

         Compuso un amplio repertorio de obras para piano, entre ellas 32 sonatas para piano y numerosas obras cortas, incluidos los arreglos (para piano solo o dúo de piano), de algunas de sus otras obras. Las obras en las que usa el piano como instrumento de acompañamiento, incluyes 10 sonatas para violín, 5 sonatas para violonchelo y 1 sonata para como francés, así como numerosos  lieder.      

         La cantidad de música de cámara fue produjo Beethoven fue notable. Además de los 16 cuartetos de cuerdas, escribió 5 obras para quinteto de cuerda, 7 para trío con piano,  5 para trío de cuerda y más de una 12 de obras para gran variedad de combinaciones de instrumentos de viento    

Los tres periodos

         Beethoven se divide en tres periodos: temprano, medio y tardío. El periodo temprano abarca hasta alrededor de 1802, el periodo medio se extiende desde 1803 hasta cerca de 1814 y el periodo tardío va desde 1815 hasta el fallecimiento del compositor.

         En su periodo temprano, el trabajo de Beethoven estuvo fuertemente influido por sus predecesores Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, pero también exploró nuevas direcciones y gradualmente amplio, el alcance y la ambición de su obra. Algunas obras importantes de este periodo y la ambición de su obra. Algunas obras importantes de este periodo son la Primera y Segunda sinfonías, un conjunto de 6 cuartetos de cuerda (Opus 18), los primeros 2 Conciertos para piano (los 1 y 2) y la primera 12 de sonatas para piano, incluyendo la famosa Sonata Patética,

Op. 13.

         El periodo medio, también llamado heroico, comienza después de la crisis personal provocada por la creciente sordera del músico. Es destacada por las obras de gran escala que denotan el heroísmo y la lucha. Las composiciones de este periodo incluyen seis sinfonías (las

Nº 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 y 8), los últimos 3 conciertos para piano, el Triple concierto y el Concierto para violín, 5 cuartetos de cuerda (Nº 7 al 11), varias sonatas para piano (incluyendo las sonatas Claro de luna, Waldstein y Appassionata), la Sonata Kreutzer para violín, y su única ópera, Fidelio.

         El periodo tardío comienza alrededor de 1815. Las obras de dicho periodo se caracterizan      

por su profunda carga intelectual sus innovaciones formales y su intensidad, expresión sumamente personal.

         El Cuarteto para cuerda Nº 14, Op, 131, tiene 7 movimientos y la Novena sinfonía incorpora

la fuerza coral a una orquesta en el último movimiento. Otras composiciones de este periodo son la  

Misse Solemnis, los 5 últimos cuartetos de cuerda (incluyendo la Grosse fugue y las 5 últimos sonatas para piano).tigador y dio           

CHOPIN, Frédéric Françuis (1810)

Biografía

          Autodidacta aun que más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital  polaca. También fue precoz como compositores su primara obra publicada datas de 1817. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. A lis 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viajé de estudios pero nunca regresó. Su obra a se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica y una revolucionaría técnica de ejecución. El `piano fue su instrumento por excelencia, y tuvo gran popular e influencia es los compositor de su época.

SCHUMANN, Robert Alexander (1810)

Biografía

           Schumann (1819-1856), con alemán del Romanismo. Desde niño, ya demostraba sus cualidades su padre lo apoyo durante su formación procurando la un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada la muerte de su padre, aunque posteriormente dedicación, reemprendería sus estudios. Fue brillante compositor y critico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente durante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.               

           En 1853, inició una gira de conciertos como pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Remény. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quien la presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajas sin descanso.

WAGNER, Richard (1813)

Biografía

         (Leipzig, Alemania 1813 – Venecia, Italia 1883) Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán. Aunque Wagner prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos, críticos sostienen que toda la música contemporáneo nace de la armonía, rica en cromatismos en disonancias no resueltas, de “Tristán e Isolda”.    

         La infancia de Wagner se vio influida por su padrastro Ludwig Geyer, actor, pintor y poeta, que suscitó en el niño su temprano entusiasmo por toda manifestación artística. La literatura, además de la música, fue desde el principia su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Sinfonía núm. 9 de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.

         De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles, agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas (transcripciones partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar a conocer sus composiciones. Sus primeras óperas –“Las hadas”, “La posición de amor”, “Rienzi”- mostraban supeditación a unos modelos en exceso evidentes (Waber, Marschner, Bellini, Meyerbeer), arte del compositor. 

         Hasta el estreno, en 1843, de “El holandés errante”, no encontró el compositor su voz personal y propia, aún deudora de algunas convenciones formales que en posteriores trabajos fueron desapareciendo. “Tannhäuser y Lohengrin” señala el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como practico, en sus siguientes partituras: “El oro del Rin” (primera parte de la tetralogía “El anillo de los nibelungos) y “Tristán e Isolda”.  

         En estas obras se elimina la separación entre números, entre recitativos y partes cantadas, de modo que todo el drama queda configurado como fluido musical continuo de carácter sinfónico en el que la unidad viene dada por el empleo de unos breves temas musicales, los leitmotiv, cuya función, además de estructural, es simbólica: cada uno de ellos viene a ser la representación de un elemento, una situación o en personaje que aparece en el drama.

         No sólo en el aspecto formal fue revolucionaria la aportación wagneriana: en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación –con el uno de una orquesta sinfónica de porciones muy superiores a las que tenían las habituales orquestas de ópera-, sino que también dejó una impronta durara. Su gran aspiración no era otra que la de lograr la “Gesamtkunstwerk”, la “obra de arte total” en la que se sintetizaran todo los lenguajes artísticas.

         Sus ideas tuvieron tantos partidarios como de tractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue el rey Luis de Baviera, gracias a cuyo ayuda económica el músico podo construir el Festspielhaus du Bayreth, un teatro destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales 1876 se procedió a su solemne. En inauguración, con el estreno del ciclo completo de “El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cosima, con quien había mantenido unos tormentos relación cuando aún estaba casado con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir de composición de “Parsifal”.

VERDI, Giuseppe (1813)

Biografía

         (Roncole 1813 – Milán 1903). Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán, antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgo, más característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en la concerniente, al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.

BRAHMS, Johannes (1833)

         Compositor alemán. El una época la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Branms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y megalomanías wagnerianos.

         No por ello cabe considerarlo un músico conservador: como bien demostró en las primeras décadas del siglo XX in compositor como Arnold Schönberg, la obra del maestro de Hamburgo se situaba mucho más allá de la mera continuación de unos modelos y unas formas dados, para presentarse cargada de posibilidades de futuro. Su original concepción de la variación, por ejemplo, sería asimilada provechosamente por los músicos de la Segunda Escuela de Viena.

         Respetado en su tiempo como una de los más grandes compositores considerado a la misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas “B” de la historia de la música, Brahms nació en el seno de una modesta familia en la que el padre se ganaba la vida tocando en tabernas y cervecerías. Música precoz, el pequeño Johannes empezó pronto a acompañas a su progenitor al violín interpretando música de baile y las melodías entonces de moda.

         Al mismo tiempo estudiaba teoría musical y piano, primero con Otto Cossel y más tarde con Eduard Maxsen, un gran profesor que supo ver en su joven alumno un talento excepcional, mucho antes de que éste escribiera su Opus 1. Marxsen le proporcionó una rigurosa formación técnica basada en los clásicos, inculcándole también la pasión por el trabajo disciplinado, algo que Brahms conservó toda su vida: a diferencia de algunos de sus contemporáneos que explotaron la idea del artista llevado del arreciado de la inspiración, del genio, el creador del Réquiem alemán dio siempre prioridad especial a la disciplina el orden y la mesura.

         Excelente pianista, se presentó en público el 21 de septiembre de 1848 en su ciudad natal con gran éxito, pese a que, más que la interpretación, su verdadera vocación era la composición. En el arduo camino que siguió hasta alcanzar tal meta, Marxsen constituyó un primer eslabón, pero el segundo y quizá más importante fue Robert Schumann. Tras una corta estancia en Welmar, ciudad en la que conoció a Franz Liszt, Brahms se trasladó a Dusseldorf, donde entabló contacto con Schumann, quien quedó sorprendido ante las innegables dotes del joven artista. La amistad entre ambos, así como entre el compositor y la esposa del autor de Manfred, se mantuvo durante toda su  vida.

Siguiendo lis pasos de Beethoven, en 1869 Brahms fijó su residencia en Viena, capital musical de Europa desde los tiempos de Mozart y Haydn. Allí se consolidó su personal estilo, que desde unos iniciales planteamientos influidos por lectura de los grandes de la literatura romántica alemana y cercanos  a la estética de Schumann, derivó hacia un posicionamiento más clásico que buscaba sus modelos en la tradición de los clásicos vieneses y en la pureza y austeridad de Bach.

Brahms que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías, cuartetos y quintetos, obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la construcción formal. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, y al igual que su rival Bruckner, fue partidario de la música abstracta nunca abordó ni el poema sinfónico ni la ópera o el drama musical. Donde se advierte más claramente su inspiración romántica es en sus numerosas colecciones de lieder. En el resto de su producción de una gran austeridad y nobleza de expresión, eludió siempre cualquier confesión personal.                          

TCHAIKOVSKY, Piotr Ilich (1840)

Biografía y estilo

         (Piotr Ilich Tchaikovsky o Chaikovski; Votkinsk, Rusia, 1840 – San Petersburgo, 1893).    

         Compositor ruso.  A pesar de ser contemporáneo estricta del Grupo de los Cinco, constituido por figuras de la talla de Borodin, Mussorgsky o Rimski-Korsekov, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo imperante entonces en su Rusia natal. De carácter cosmopolita en su que respecta a las influencias (entre ellas y en un lugar preponderante la del sintonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos), su música es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora de la personalidad del autor, compleja y atormentada.

DABUSSY, Claude (1862)

Biografía y estilo

         Fue uno de los compositores más influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX. Sus composiciones maduras, distintivas y atractivas, combinaros el modernismo y sensualidad con tanto éxito que pura belleza a menudo oscurecen su impresionismo técnico. Dabussy considerado el fundador y exponente principal del impresionismo musical (aunque él resistió la etiqueta), y su adopción de escalas no tradicionales y de esturas tonales era paradigmático para muchos compositores que siguieron.

         El hijo de un comerciante y de una costurera, Dabussy comenzó estudios del piano en conservatorio de Paris en la edad de 11. Mientras que un estudiante allí, encontró a Nadezhda rico von Meck (el más famoso como la patrona de Tchaikovsky, que se empleó como Profesor de música a sus hijos; A través de viajes, conciertos y conocidos es ella le proporcionó una riqueza de experiencia musical. Más importante aún, expuso al joven Dabussy a las obras de compositores rusos, como Borodiny y Mussorgsky, que seguirían siendo influencias importantes en su música.

         Dabussy comenzó estudios de composición en 1880 y en 1884 ganó el prestigioso Prix de Roma con su cantata “L’enfant” prodigue. Este premio financió dos años de estudio en Roma- años que demostraron ser creativamente frustrantes. Sin embargo, el periodo inmediatamente siguiente fue fértil para en joven compositor: “Los viajes a Bayreuth” y la Exposición Mundial de Paris (1889), establecieron, respectivamente, su determinación de alejarse de la influencia de Richard Warner, y su interés por la música de las culturas orientales.

         Después de un periodo relativamente bohemio, durante el cual Debussy formo amistad con muchos escritores y músicos parisinos príngales (no menos de que eran Mallarmé, Satie, y Chausson), el año 1894 vio el éxito enormemente acertado de su Prélude á l’aprés midi ‘faune (Preludio a la tarde de un Fauno) – una obras verdaderamente revolucionaria que puso en foco su voz composicional madura. Su o sensación en su primera actuación en 1902. El impacto de estas dos obras le valió a Debussy un amplio reconocimiento (así como los frecuentes ataques de críticos que no apreciaron su visión hacía el futuro Estilo), y durante la primera década del siglo XX se estableció como la figura principal en la música francesas – tanto que el término “Debussysme” (Debussyism), utilizado tanta positivamente como peyorativamente, se puso de moda en Paris. Debussy pasó sus últimos años sanos inmersos en la sociedad musical francesa, escribiendo como critico, componiendo y realizando sucumbió obras el nivel internacional. Sucumbió a cáncer de colon en 1918, habiendo causada por el inicio de la Primera Guerra Mundial.

         La vida personal de Debussy fue puntuada por incidentes desafortunados el más famoso  el intento de suicidio de su primera esposa, Lilliy Texier, a quien abandonó por la cantante Emme Bardac. Sin embargo, su posterior matrimonio con Bardac y su hijo ClaudcEmma, la que llamaron “Chouchou” y que se convirtió en el dedicado de la suite de piano del compositor Children’s Corner proporcionaron a Debussy de mediana edad grandes alegrías personales.

         Debussy escribió con éxito en la mayor parte de cada género, adaptando su lenguaje compositivo distintivo a las demandas de cada uno. Sus trabajos orquestales de los cuales Prelude à l’aprés-midi d’un faune y La mer (1905) son los más familiares, lo establecieron como un maestro del color instrumental y de la textura. Es esta atención al color de tona –su estratificación del sonido sobre el sonido para que se mezclen para formar un todo mayor y evocador – que enlazó a Debussy en la mente pública los pintores impresionistas.

         Sus obras para piano solo, particularmente sus colecciones de Préludes y Etudes, que han permanecido como grapas del repertorio desde se composición. Ponen en relieve su asimilación de elementos tanto de las culturas orientales como de la antigüedad – especialmente el pentatonicismo (el uso de escalas de cinco notas). El paralelismo (el movimiento pentatonismo paralelo de los acordes y las líneas), y la escala de tono entero (formada dividiendo la octava en seis intervalos iguales), la modalidad (el uso de escalas de la antigua Grecia y la iglesia medieval).

         Pellés el Mélisanande y sus colecciones de canciones para voz en solitario establecen fuerza de su conexión con la literatura y la poesía francesas, especialmente con los escritores simbolistas, y son algunas de las obras más expresivas del repertorio. Los escritos de Mallarmé, Maeterlinck, Baudelaire y su amigo de la infancia Paul Verlaine aparecen prominentemente entre sus textos escogidos y se unieron simbióticamente con los humores y forma de expresión únicos del compositor.  

RACHMANINOV, Sergéi (1873)

Biografía

         Compositor, pianista y director de orquesta, en la tradición romántica rusa, nacionalizado estadounidense. Aunque conocido a nivel mundial Concierto para piano Nº 2, Sergéi Rachmaninov ha sido relegado por algunos historiadores al papel de simple epígono del romanticismo y, en particular, de Pior Ilich Chaikovski, compositor por el que siempre profesó una profunda admiración. Sin embargo, ella no es obstáculo para que la música del autor de las Danzas sinfonías sea una de las más apreciadas por intérpretes y público, por su singular inspiración melódica y su emocionada expresividad.

         Hijo de una familia e terratenientes, debió su temprana afición musical a su padre y abuelo, uno y otra competente música aficionados. A pesar de sus extraordinarias dotes para la interpretación al piano composición fue desde el principio el verdadero objetivo del joven Rachmaninov.

         No obstante, su carrera en este campo estuvo a punto de verse truncada prematuramente por el fracaso del estreno, en 1897, de su Sinfonía Nº 1. Este revés sumió al compositor en una profunda crisis creativa, sólo superada a raíz del Concierto para piano Nº 2, cuyo éxito supuso para él el reconocimiento mundial.

         La revolución soviética puso fin a esta etapa provocando su salida, junto a su familia, de Rusia. Suiza primero y, a partir de 1935, Estados Unidos, se convirtieron en su nuevo lugar de residencia. Si en su patria había dirigido sus principales esfuerzos a la creación, en su condición de exiliado se vio obligado a dedicarse sobre todo al piano para poder subsistir.

         La carrera de virtuoso pianista que llevó a cabo desde entonces, junto a la profunda añoranza de su país, fueron dos de las causas que provocaron el notable descenso del número de obras escritas entre 1917 y 1943, el año de su muerte: sólo seis nuevas composiciones vieron la luz en ese lapso de tiempo, cuando en los años anteriores lo habían hecho casi cuarenta.      

                                                                                                                                                  

SCHOENBERG, Arnold (1874)

La música Atonalismo (dodecafonía) de Arnold Schoenbeng

         Compositor austriaco, inventor del dodecafonismo y maestro de compositores como Alban Berg, Antón von Webern, Krenek y Dallapiccola. Recibió formación musical pero compuso de forma autodidacta, complementada con clases de contrapunto de Zemlinsky, quien fuera su suegro años más tarde. Pasó de un estilo posromántico (que llega de Mahler a través de Zemlinsky) a imponer un atonalismo que adquirió forma definitiva en el método de composición dodecafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del expresionismo. Luego, en su exilio americano, se vió enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski tardío, influenciando notablemente en las posteriores generaciones de compositores norteamericanos y de posguerra.      

BARTÓK, Béla (1881)

Biografía y estilo

         (Sânnicolau Mare, Rumania, 1881 – Nueva York, EE.UU., 1945)

         Bartón nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con en folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pera complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el Sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influido también por el folklore, y que se basa por un lado en el Sistema axial, y por otro el la Proporción áurea.

STRAVINSKY, Igor (1882)

Biografía y estilo

         (Igor Stravinsky o Stravinski, nació en Lomonosov de 1882 – falleció en Nueva York, EE.UU. de 1971 y fue enterrado en Venecia, Italia en el cementerio de la isla de San Michele).        

         Una de las 1913 nacimiento de la música contemporáneo, en que se estrenó el ballet: “La consagración de la primavera”. Su armonía provocaros en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

         Autor de otros dos ballet que habían causado sensación, “El pájaro de fuego” (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y “Petrushka”, el citado día de 1913 Stravinsky se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las arte plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.  

BERLIN, Irving (Israel Baline)  (1888)

Biografía

         Su familia huyó para escapar y, como de la comunidad judía en Nueva York de la década de 1890.     IrvingBerlin fue uno de los compositores más prolíficos, y populares del siglo XX, contando entre sus éxitos “White Chiristmas”, “Cheek to Cheek”, “Alexander’s Ragtime Bard” y “What I’ll Do”. La película de Berlín y las obras musicales de Broadway incluyeron “Puttin ‘on the Ritz”, “Easter Parade” y “Annie Get Your Gun”. Murió en Nueva York en 101 años.

                           

PROKOFIEV, Serg (1891)

Estilo

Influencia por Rachmaninov. Él gran un tipo fenómeno es auge y masificación de música que se desarrolló en las cuidad se durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento, músicas a étnica, y la académicas: la músico popular, Este tipo de músico, consumida por la creciente clase media urbana, experimentará un gran desarrolla gracias a la posibilidad de gracilidad, sonido las nuevas tecnología de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. El efecto del músico popular y la industria música, que se desarrollaren tomo a ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media. Música modemista y contemporáneo futurismo.

        

LECUONA, Ernesto (1896)

Biografía y estilo

         Compositor y pianista cubano nacido en Guanaloa, La Habana. Con sólo 13 años compuso la marcha“Cuba y América”. En 1913 se graduó en el Conservatorio Nacional Cubano e inició una larga gira por EE.UU., España y Francia. Junto a Gonzola Roig y Rodrigo Prats, forma la trilogía más imperante de compositores del teatro lírico cubano y de la zarzuela. El aporte más importante de Lecuona al género teatral es la fórmula definitivo de la romanza cubana. Entre sus obras destacan las zarzuelas, “Canto Siboney”, “Damisela Encantadora”, “Diablos y Fantasías”, “El Amor del Guarachero”, “El Batey” (1929), “El Cafetal”, “El Calesero”, “El Maizal”, “La Flor del Sitio”, “Tierra de Venus” (1927), “María lo O” (1930), y “Rosa la China” (1932); las canciones “Canto Carabalí”, “La Comparsa” (mundialmente célebre) y “Malagueña” (1933), perteneciente a suite “Andalucía”; sus obras para danza, “Danza de los Ñáñígos” y “Danza Lucumí”; la ópera “El Sombrero de Yaray”, la “Rapsodia Negra” para piano y orquesta, así como su “Suite Española”. Ernesto Lecuona, es una pieza imprescindible de la historia de la música cubana, iberoamericana y universal.                      

RODRIGO, Joquin (1901)

Biografía y Estilo       

          Estuvo marcado por dos grandes acontecimientos en Serg Prokofiev y Joquin Rodrigo, acontecimientos que fueren muy decisivos en la historia de la música occidental y marcaron el avance posterior que seguir la música hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandonó de la tonalidad y total ruptura de las firmas y técnicas que se variando desde los principios de la era barroca a partir de “1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes. A partir de ahí, a música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empañan en hallar nuevos caminos tanto en las formar, los instrumental los colores la tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la practica común de los últimos trescientos años.   

SHOSTAKOVICH, Dimitri (1906)

Biografía

         Principal compositor  soviético de mediado del siglo XX. Nació el 25 septiembre de 1906 en San Petersburgo: entre 1919 y 1925 estudió en el conservatorio de esta ciudad con Aleksandr Glazunov y Maximilian Steinberg. El estreno de su Sinfonía Nº 1 en fa menor, opus 10, compuesta a los 19 años (1926) atrajo por primera vez la atención del público hacia su obra. Su música se caracteriza por una vitalidad rítmica y una riqueza melódica que recuerdan el folclore gitano del este de Europa. La mayor parte de sus obras están compuestas en forma musical tradicionales y su lenguaje armónico suele ser sencillo y directo. Sus composiciones destacan por el dominio técnico de la orquesta. La ópera “Las nariz” (1928), con un planteamiento expresionista y por momentos atonal que recuerda las obras de compositores occidentales como el alemán Paul Hindemith y el austriaco Alban Berg, fue bien recibida por la crítica y por el público aunque fue tachada por que dirigentes del partido comunista como una obra burguesa y decadente. Su segunda ópera “Lady Macbeth of Mtsensk” (1934, revisada como Katerina Ismailova, 1936) volvió a recibir el aplauso de la crítica y del público, pero en partido consideró que la ópera tenía carácter contrarrevolucionario. Este tipo de ataques obligaron a Shostakovich a prometer que reformularía sus ideas artísticas.

         La “Sinfonía Nº 5 en re menor, opus 47 (1937, subtitulada “respuesta de un artista soviético a una crítica justa”) y “Sinfonía Nº 6 en si menor, opus 54 (1939) fueron bien recibidas, tanto por el partido como por el público. Su “Sinfonía Nº 7 en do mayor, opus 60, Leningrado (1942), compuesta durante el asedio a Leningrado en la II Guerra Mundial, obtuvo un gran éxito. En 1948 su música fue atacada de nuevo por razones políticas y tuvo que volver a prometer que reformaría su estilo. Parece que lo consiguió, ya que en 1956 recibió la Orden de Lenin, máximo galardón soviético. Recibió asimismo varios Premios Stalin y en 1966 fue el primer compositor que recibía la condecoración de héroe del trabajo socialista. En 1962 Kiril Kondrachiu estrenó la ¡Sinfonía Nº 13 en si bemol menor, opus 113 Babi-Yar” con textos de Yevtuchenko. La “Sinfonía Nº 14, opus 135” incluye texto de Apollinaiire, García Lorca y Rilke. Falleció en Moscú el 9 de agosto de 1975.

         Los 15 cuartetos para cuerda de Shostakovich (1935-1974) se consideran una gran contribución a la música de su época. Compuso asimismo 6 conciertos (2 para piano, 2 para violín y 2 para violonchelo), 15 sinfonías, música de ballet, canciones (con textos de Alexander Blok, Marina Tsvetaeva y Miguel Ángel) y bandas sonoras para 14 películas. A pesar de que en sus primeras obras experimentó con la atonalidad, la obra global de Shostakovich puede ser considerada como una importante contribución a la música tonal en un momento en el que sus contemporáneos más influyentes estaban experimentando con el serialismo o el neoclasicismo. Esta tendencia tonal se aprecia principalmente en sus sinfonías, que continúan la tradición de Gustav Mahler tanto en la forma como en el lenguaje  armónico.                                                    

CARTER, Elliott (1908)

Biografía

         Compositor estadounidense Elliott Carter en 1908 – 2012 en Nueva York.

Carter pertenecía a una familia acomodada que se dedica a la importación, por lo que  parte de su infancia transcurrió en Europa. Aunque su familia no apoyaba su decisión de dedicarse por entero a la música, sí le ofrecieron la posibilidad de recibir lecciones de piano cuando aún era un niño. Pero fue en la década de los años veinte cuando se despertó por completo su interés por la música al oír por primera ver, en 1924, obras de Scriabin y Raval y trabar amistad con Charies Ives, quien le introdujo en el mundo musical norteamericano. En 1926 ingresó en la Universidad de Harvard para estudiar literatura inglesa estudian que compaginó con los de música (solfeo y piano) en la Longy of  Scool  Music. Al finalizar su  licenciatura en literatura, desunió continuar estudiando música en Harvard. Allí fue alumno de Edward Buelingame Hill, Gustav Holst y Walter Piston, y en dicha institución obtuvo el grado  de “Master of Arts” en 1836. Ese mismo años traslado a Paris, donde permaneció hasta 1935, para amplia estudios musicales en la Ecole Nomale de Musique con Nadia Boulanger. Allí no produjo ninguna partitura relevante dado que dedicó su esforzó al estudio del contrapunto severo y a tomar contacto con la música coral de autores del siglos de anteriores como Guillaume de Machaut. A su regreso a los Estados Unidos trabajó como director musical de la compañía de ballet Coravan de Nueva York, para la que escribió el ballet “Pocahontas” en1936. A partir de 1937 comenzó a publicar a artículo en calidad de crítico musical para la revista “Modern Music”. Muchos de ellos eran crónica sobre el ambiente musical en la américa de su época y otros eran ensayos obre jazz, música para cine o incluso aspectos de su propia obra.

En 1939 contrajo matrimonia con escultora Helen Frost-Jones y ese mismo año comenzó a impartir clases de música, griego y matemáticas en el St. John’s Collage de Anápolis (Marylang). Durante la segunda Guerra Mundial fue consultor de la oficina de información de guerra de su país  natal. Tras el fin de la contienda, Carter volvía a dedicarse a la docencia en prestigiosos centros Conservatorio de Peabody (1946-48), la Universidad de Columbia (1948-50), Universidad de Yale (1960-62) y la Julliard School de Nueva York, donde fue profesor entre 1964 y 1984. Asimismo, Caler ha impartido clases magistrales en los seminarios de verano que se celebraron 1958 en Salzburgo (Austria).

A partir de la década de los año cincuenta se dedicó de lleno a la composición y a lo largo de su encargos musicales de diversas instituciones, entre los que cabe cite citar el del Nacional Endowment for the Arts de su país natal para crear una obra en ocasión del bicentenario de la independencia estadounidense. Su producción musical, especialmente la camelística, ha sido galardonada con premios como el Pulitzer en dos ocasiones (1960 y 1973), la Medalla Sibelius (1961), el prestigioso premio Siemens de Alemania (1981) y la Medalla Nacional de la Artes de Estados Unidos (1985). Asimismo, fue investido doctor honoris causa por las universidades de Princeton, Yale y Harvard, y ha sido compositor residente en la American Academy of Rome (Roma) en diversos ocasiones.

Obra

         Su estilo, modal y polítonal, mezcla aspectos del modernismo europeo con otro del estilo norteamericano, si bien pronto se alejó del americanismo de Aaron Copland o Leonard Bernstein. En sus primeras la influencia de su maestra a Boulaniger, era evidente sobre todo en la frecuente utilización del contrapunto, pero poco a poco Carter fue adquiriendo interés por la obra de otros músicos como Milhaud o Prokofier –lo cual se escucha en su ya citado ballet “Pocahontas” de 1936- así como en la de Piston e Ives, cuya huella aparece en la obra titulada “Holiday Overture” (1944). En otras piezas como “The Minotaur”, Carter se inscribe en tradición neoclásica de músicos como Stravinsky pero a partir de 1946 y con su “Sonata para piano Nº 1” se distancia de era. En dicha obra experimenta con el ritmo, cambia frecuentemente de compás procedimiento llamado “modulación métrica! Que mantiene la continuidad de la compositor a través de los reiterados cambios de tempo, ritmo y compás, y que empleará con gran maestría en su “Cuarteto de cuerda Nº 1”. En esta obra, compuesta entre 1950 y 1951 en Tucson (Arizona) aparecen también alusiones a Bartók, Alban Berg e Ives. Tras su primer cuarteto compuso sus “Variations for Orchestra” (1955), obra que tuvo una excelente acogida entre el público.

         A partir de su”Quateto de cuerda Nº 2” (1959), Carter realiza un giro en su estilo, que se vuelve más fragmentario y disonante. Su “Double Concerto” (1959) para clave, piano  y dos orquestas de cámara, estrenado en Nueva York en ocasión del congreso de la Sociedad Internacional de Musicología, revela cierto interés por la obra de “Conlon Nancarrow”. En partituras posteriores, como su “Cuarteto Nº 3” (1971), el “Quinteto de metales” (1974) o la “Symphony of Three Orchestras” (1977), utiliza el collage como procedimiento compositivo. En década de los años setenta vuelve a interesarse por la música vocal y compone obras basadas en texto de poemas estadounidenses como Elizabeth Bishop y Robert Lowell, si bien ya entre su producción anterior se hallan numerosas destacan“Emblems” (1947), para voz masculina, coro y piano. Y sus oratorio “Tom and Lily” (1943) y “The bridge” (1937).

CAGE, John (1912)

Biografía

Los Ángeles 1912 -  Nueva York 1992.  

Compositor estadounidense. También poema y ensayista, se le sitúa dentro de la corriente vanguardista norteamericana de la segunda mitad del siglo XX, influyente tanto en las tendencias experimentales contemporáneo de Estados Unidos como de Hispanoamérica.

Hijo de un ingeniero inventor de aparatos electrónicos y submarinos ingresó en la Universidad de Pomona (California), y cursó luego en Europa estudios de arquitectura y piano. John Cage desarrolló muy pronto una tranquila pero tenaz voluntad de experimentación aplicada en particular, a la música, pero en el campo más amplio de exploración sobre el lenguaje. Fue fundamental su experiencia de aprendizaje con Arnold Schönbeng, que lo convirtió en seguida en un compositor radical, inventor de una música vivida como “agregación de sonidos” y, por lo tanto, también de “silencios”, definidos como “sonidos inaudibles”.

En su producción musical, Cage su sitúa más allá de cualquier categoría preestablecida, incluida la dodecafonía. Tras haber traspasado todas las barreras armónicas su uno tan heterodoxo de los instrumentos tradicionales armónica, su uso tan heterodoxo de los instrumentos tradicionales le llevó al descubrimiento de sonoridades inéditas. En este ámbito se encuentra la idea del “prepared piano” (1938), que consiste en la creación de sonoridades inesperadas colocando entre las cuerdas de un piano tradicional objetos desacralizantes como tuercas u tornillos. La adopción del silencio como parte integrante de la partitura musical es célebre en este aspecto su 4’33” (1952), que deja penetrar en sus 4 minutos y 33 segundos de silencio los sonidos ambientales- consagro ya en su época a Cage a la vanguardia musical.

Pero otros aspectos levantes de su poética lee hicieron merecedor de un lugar destacado en el mundo de la filosofía contemporáneo: por ejemplo, la adopción del “alea”, o composición mediante operaciones casuales (“alea operations”) con el uso del “alea”, y negando al autor cualquier cualidad demiúrgico, Cage consagra definitivamente el fin de toda ideología y ratifica la afinación de la estética posmoderna. En este sentido se sitúa HPSCHD, de 1968, obra para clavicémbalo y ordenador programado según el “de las mutaciones” chino I-Ching.

A lo largo de su dilatada carrera, Cage influyó en la obra y en la poética de innumerables artistas e intelectuales convirtiéndose el mismo en principal referencia de la vanguardia estadounidense y, en general, de la estética contemporáneo. Su colaboración con Marce Cunningham que se remonta a 1942, y el trabajo teórico sobre sonido y movimiento, la colaboración con artistas visuales como R. Rauschenberg y J. Johns, la experiencia (1948-1950) con los poetas de la Black Mountain, la intensa amistad de Marcel Duchamp, su maestro de ajedrez, y los seminarios constituyen piezas importantes del mosaico-Cage.

El marco filosófico sobre el que éstas se amalgaman es la doctrina Zen, en la que Cage profundizó entre 1945 y 1946 gracias a D. T. Suzuki y que enseguida adoptó como tranquilizante ideología para contraponerla al narcisismo de la cultura occidental. La actitud de “escucha” silenciosa de la naturaleza –de la cual también la tecnología entra a formar parte- constituye el terreno epistemológico de base sobre el que Cage construye sus obras; desde l primeras partituras para percusión de los años treinta hasta “Branches” (1976), para materiales vegetales amplificados, y al proyecto de sonorización de Montestella d’Ivrea: “The Park Amplified Project” (1979).

Y como si se tratar de un epistemólogo empeñado en el estudio global del lenguado, Cage registra también la realidad que lo envuelve, transformándola no sólo partituras musicales, sino en libros de envuelve y anécdotas como “Silence” (1962), y “A year from Monday” (1967). O en diario, como “Diary: How to improve the world” (1965). O transformándola en “partituras verbales”, es decir, reescrituras (mediante “chance operations”), de los obras del transcendentalista H. D. Thoreau –el hombre de los bosques-, o del “Finnegan`s Wake” de Joyce, o simplemente de nombres e hongos como “Mushroom et Variationes” (1984). Otras veces, transformando esta realidad en aguafuertes e incisiones, extraídas como siempre de manera “casual” de los bocetos de H. D. Thoreau.

Estos aspectos múltiples de la poética de Cage influyen siempre los unos a los otros, para formar parte de la búsqueda incesante de este refinado ingeniero de la sonoridad. Cabe citas también sus obras “Estudios australes y Sonatas y estudios para piano preparado”

GINASTERA, Alberto (1916)

Biografía

         (Buenos Aires, 1916; Ginebra 1983) Compositor argentino. Talento precoz, realizo sus estudios musicales en el Conservatorio en el Nacional de Buenos Aires bajo la tutela de Atuos Palma y José André, y con el tiempo sería nombrado director del Conservatorio de La Plata, Fue también fundador del Centro Latinoamericano del Altos Estudios Musicales, así como de Facultad de Ciencias y Artes Musical de la Universidad Católica de Argentina.

         Sus primeras producciones se enmarcan en una estética nacionalista que se inspira en el folclor argentino, pero con elementos rítmicos y timbricos tomados de la vanguardia. Los ballets “Ponambí” y“Estancia” son las partituras más representativas de esta etapa inicial. En 1946 se traslado a EE.UU., donde recibió orientaciones de Aaron Copland.

         Con posterioridad, el lenguaje de Ginastera abandonó los ritmos y las melodías de su tiempo para integrar técnicas como el dodecafonismo, la aleatoriedad y la microtomalidad. En esta línea se inscriben su concierto para arpa (en cuyo tercer movimiento es todavía perceptible cierto influjo de motivos melódicos argentinos), el de violín y los dos para pianos y para violonchelo. Sus obras instrumentales más relevantes son “Obertura para el Fausto Criollo” (1943), “Sinfonía elegíaca” (1944), “Cuartetos Nº 1 y 2” (1951, 1958), “Sonata para piano” (1953) y “Variaciones concertantes” (1953), conocida como ballet con el título de “Tender Night”, con coreografía de John Taras.

         Compuso varios conciertos para instrumentos solistas y orquesta. De su música vocal destacan “Hieremiae prophetae lamentationes” (1946) para coro mixto, la “Cantata para América mágica” (1961) para soprano y percusión, y “Milena” (1970), texto de Kafka. Cabe destacar también sus operas “Don Rodrigo” (1964), “Bomarzo” (1967) y “Beatriz Cenci” (1971).                          

DUTILLEUX, Henri (1916)

Biografía

         Henri Dutllleux, el compositor francés más completo y consumado del último siglo XX, y vigorosamente activo en el XXI, combina una imaginación instrumental vivida y detallada, Un oído para la armonía tan vez superado por el de Ravel y una inmersión minuciosa en su oficio.

         Nació en 1916, pero ha negado la mayor parte de la música que escribió antes de 1947. Su abuelo Julián Koszul había sido director del Conservatorio Roubeix, en Flandes; sus dos padres eran músicos amateurs. Enseñado por Henri Büsser en el Conservatorio de París, ganó el Premio de Roma en el tercer intento, solo para ser expulsado en Roma a Francia después de cuatro meses a medida que se acercaba la guerra: fue movilizado hasta septiembre de 1940 como un camillero.

         Simpatizante de la Resistencia, fue evacuado temporalmente a Niza, pero regresó a París, y en 1943 comenzó a trabajar para la radio francesa. Aquí permaneció hasta 1963, principalmente como “Jefe de ilustraciones musicales”, encargando fusiones de música y drama radiofónicas de aventura que varias veces ganaron el Prix Italia. Una composición de carrera paralela de enseñanza en la École Normale y luego en el Conservatorio se vio limitada por problemas de visión, aunque un trasplante de córnea exitoso los resolvió.

         Dutilleux apareció al principio para caer en la sucesión de Ravel y Roussel. Después de la “Sonata para piano” de 1947, compuso dos sinfonías en la década de 1950, ambas de las cuales aún se presentaros. Pero lo que él llamó “mi búsqueda de corales raros” se convirtió gradualmente en su característica más distintiva. Desde alrededor de 1960, ha compuesto un pequeño número de obras en su mayoría sustanciales, todas ellas refinando y enfocando una transformación constante de sus materiales y una paleta de sonido en constante cambio.

         La música tiene un poderoso impacto poético sensual y, a menudo, un alta cargo emocional. Mantiene un conocimiento de la tonalidad sin recurrir a métodos probados. Escribió para teatro y cine al principio de su carrera, pero no para la ópera; una circunstancia que lamenta pero que pone en duda y trabajo lento. Aparte de las piezas más pequeñas, las composiciones principales incluyen “Métaboles para orquesta” (1959-1964); “Tout un monde lointain…”, un concierto para violonchelo para Mstislav Rostropovich (1970); “Ainsi la nuit”para cuarteto de cuerdas (1973-6); “Tríos strophes sur le nom de Sacher” para violonchelo, de nueva Rostropovich (1976-82); “Timbres, espacio, movimiento para orquesta (1976-8); “L’arbre des songes”; un concierto para violín de Isaac Stern (1979-85); “Mystère de I’instant” para cuerdas con cimbalom y percusión (1985-9); y finalmente el siglo pasado, “The Shadows of Time”.

         Hasta ahora, en el presente siglo hay dos obras ampliamente interpretadas, “Sur le même accord” para violín y orquesta (Anne-Sophie Mutter, 2002), y “Correspondances” para soprano y orquesta, estrenada por Dawn Upshaw en 2003. En 2007, se estrenó en Matsumoto de “Le temps, l’horloge”- otro ciclo de canciones, escrito para Renée Fleming y que establece la poesía contrastada de Charles Baudelaire y el colega de Radio francés de Dutilleux, el dramaturgo Jean Tardieu. 

PIAZZOLLA, Astor (1921)

Biografía

         (Mar del Plata, Argentina, 1921 – Buenos Aires, 1992) Compositor y bandoneonísta argentino. Fue uno de los artífices de la renovación del tango, sobre todo a partir de 1955, año en que regreso a Argentina después de un período de estudios en Paris bajo la dirección de Nadia Boulanger, célebre pedagoga que le aconsejó no olvidar nunca la música popular, precepto que la música tuvo siempre presente. Decarissimo, Milonga del ángel, La muerte del ángel, Invierno porteño, Buenos Aires hora cero, Balada para un loco” y “Adiós, Nonino” son algunos de sus tangos más populares. En ellos conviven el género tradicional, la música clásica y el jazz y entremezclan sus lenguajes, técnicas y estilos, lo que les confiere un aspecto novedoso y de un considerable atractivo, a pesar de lo cual despertaron el rechazo de los círculos tanguísticos más conservadores. A Piazzolla se le debe también un valioso “Concierto para bandoneón y orquesta”, importante por todo lo que supone de reivindicación de este instrumento, más allá del papel de acompañamiento en conjuntos de baile, y una ópera, “Maria de Buenos Aires” (1968).

         Hijo de un inmigrante italiano admirador de Gardel, Astor Piazzolla nació en Mar del Plata en 1921, pero de pequeño marchó con sus padres a vivir a Nueva York, desde residió desde 1924. En 1929 dos Vicente regaló a su hijo un bandoneón de segunda mano, instrumento que quedaría asociado a su figura. Estudió música bajo la tutela de Bela Winda, maestro ruso discípulo de Rachmaninov, y de él aprendió a transcribir y ejecutar a Bach y a Schumann. En Nueva York conoció a Carlos Gardel y surgió entre ambos sus larga amistad que derivó incluso en la fugaz participación del música, como actor, en la película “El día que me quieres”, donde interpretaba a un canillita.

         La carrera de Piazzolla se desarrolló a caballo entre el Nuevo y el Viejo Mundo. De vuelta a la Argentina, se radicó en Buenos Aires y actuó como bandoneonísta en las orquestas de Miguel Caló y Aníbal Troilo; en esta se encargó también de los arreglos. Perfeccionó mientras tanto su técnica con el músico clásico Alberto Ginastera. En 1944, Piazzolla se desvinculó de Troilo para dirigir la orquesta que acompañó al cantante Francisco Florentio. Prosiguió con su labor como arreglador para las orquestas de José Basso, Miguel Caló y Francini-Pontier. También en esta época escribió piezas de música culta, como “Rapsodia porteña” (1952) y “Sinfonía de Buenos Aires” (1953), en cuya instrumentación incluyó bandoneones. Ese año viajó a Paris para estudiar con la famosa pedagoga Nadia Boulanger, quien lo convenció de que persistiera en el camino del tango.

         A su regreso a la Argentina, Piazzolla convocó a músicos de primera línea y formó el Octeto Buenos Aires, con Enrique Mario Francini y Hugo Baralis en violines, Roberto Pansera en bandoneón, José Bragato en violonchelo, Ando Nicolini en bajo, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica y Atilio Stampone en piano. Varias de las versiones del Octeto influyeras de manera determinante en la futura evolución del tango, debido a sus novedades rítmicas y contrapuntísticas. Cuando en 1959 murió su padre, a pesar de las biabas que le había dado en la infancia y que el hijo aún recordaba sin rencor, Piazzolla compuso en su homenaje acaso su obra más bella: “Adiós, Ninino”.

         En 1960, después de una estadía en EE.UU., donde su estilo se presentó como jazz-tango, formó un quinteto por cuyas sucesivas formaciones pasarías músicos tales como Elvio Bardaro, Dante Amicarelli, Antonio Agri, Horacio Malvicino, Oscar López Ruiz, Kicho Díaz, Osvaldo Manzi y Cacho Tirao. En 1968, Piazzolla compuso con el poeta Horacio Ferrer la operita “Maria de Buenos Aires”, para once instrumentos, recitante y cantantes femenino y masculino. En 1969 comenzó a escribir, también junto con Ferrer, temas de mayor sencillez para la voz de Amelita Baltar. Compusieron así “Balada para un loco”, que se convertiría en un gran éxito popular, y en cuya estela surgieron otras composiciones de cariz similar, como “Balada para mi muerte”, “Balada para Él” y “Chiquilín de Bachín”.  

         A la vuelta de un viaje a Paris, Piazzolla rearmó su antiguo Octeto y emprendió la composición de temas más largos y ambiciosos, alejados de los esquemas clásicos del tango-canción. Entre esas experiencias se cuentan algunas de sus páginas más famosas, como una nueva versión de “Adías, Nonino” (la primera se remonta a 1959), “Muralla china”, las cuatro partes de “Pulsación” y la música de numerosas películas. Siempre atraído por el jazz, en 1974 grabó un disco junto al gran saxofonista Gerry Mulligan. De 1972 es el “Concierto de nácar” para nueve tanguistas y orquesta; de 1976, su “Suite troileana”, compuesta en honor a su maestro Aníbal Troilo; y, de 1979, su “Concierto para bandoneón, piano, cuerda y percusión”

         El prestigio de Piazzolla fue amplio en Europa, mientras que en Argentina se sucedieron las polémicas acerca de si lo suyo era o no tango, género que renovó a través de su instrumento (el bandoneón) y sus composiciones. En cualquier caso, la influencia de Astor Piazzolla y de la nueva estética musical que supo imponer en el tango marcó de forma insoslayable a las generaciones más jóvenes de artistas inclinados hacia la música popular de Buenos Aires. Así, por ejemplo, el bandoneonísta y compositor Eduardo Rovira, que se apartó de los cánones tradicionales del tango y fundó la Agrupación de Tango Moderno en 1960. Otro destacado músico, Rodolfo Mederos, es seguramente el más destacado seguidor de Astor Piazzolla como bandoneonísta.                                                                                   

                                                       

  STOCKHAUSEN, Karlheliz (1928)

  Biografía

           Stockhausen surgió desde principal como una de las voces más influyentes y únicas en la vanguardia musical europea posterior a la Segunda Guerra Mundial y su prominencia continuó durante todo el resto del siglo XX y hasta el siglo XXI. Combinando una gran sensibilidad a las realidades acústicas y las posibilidades de sonido, los métodos compositivos sofisticados y sofisticados se expandieron desde el seríalismo integral, la teatralidad innovadora y una inclinación por lo místico. Stockhausen sigue siendo una de de las personalidades musicales más innovadoras de este siglo.

           Stockhausen nació en 1928 cerca de Colonia. Huérfano de adolescente, se sumergió en actividades artísticas y se sumergió en actividades artísticas y se mosto prometedor como escritas músico. Tomo clases en la nueva escuela de música en Darmstadtcon con Adorno antes de mudaren a París, donde estudió con Messiaen y conoció a Boulez y Pierre Schaeffer. Estos encuentros, así como los estudió en fonética y comunicación, demostraron ser una influencia crucial en su trabajo posterior en el estudió música electrónica en Colonia; a mediados de los años cincuenta, se habla asegurado un puesto en la vanguardia de la música electrónica y el serialismo integral. Durante la siguiente década, forjó relaciones con algunos de los contemporáneos más prominentes, intuidos Kagel, Ligett y Cage, y, tomando las riendas de la escuela de Darmstadt, fue mentor de personas tan innovadoras como Cornelius Cardew y La Monte Young. Su influencia se extendió también a la cultura popular; aparece en la portada del sargento de los Beatles. Álbum de pimientos. Stockausen tuvo varías citas durante el resto del siglo XX y continuo impartiendo seminarios de verano a los que asistieron importantes compositores emergentes.

           Las composiciones más influyentes de Stockhausen varían ampliamente en su estilo y medio, y atestiguan los interesas de gran alcance del compositor en la ciencia, la tecnología, la religión, la cosmología y el misticismo. Sus diversas obras instrumentales y vocales de las décadas de 1950, 1960 y 1970 exploran diversas formas de extrapolar los métodos seriales y las estructuras matemáticas, como la serie Fibonacci, para dictar tonos, ritmos, articulaciones  y estructuras formales más granes. La pieza de cinta influyente “Gesang del Jünglinge” (1955) combina los fonemas mezclados de un texto de origen bíblico con un esquema de empalme metódicamente elaborado. “Minen” (1966) mezcla varios himnos nacionales con complejas estructuras de sonido electrónico. “En Stimmung” (1968), un grupo de cantantes entonan varios nombres místicos a la armonía de la serie de armónicos. Desde finales de los años 70, los esfuerzos de Stockausen se centraron en LICHT, un ciclo de ópera en expansión extraído de varias mitologías religiosas, en particular el Libro de Urantia, una colección de escritos supuestamente enviados a la Tierra por extraterrestres. 

 PENDERECKI, Krzvsztor (1933)

 Biografía

           Género: clásico, jazz, electrónico, vanguardia.

           Estilos: orquesta, coral, ópera, composición moderna, música de cámara, concierto.

           Uno de los compositores más conocidos, más escuchados y más populares de finales del siglo XX y principios el XXI, ha experimentado una marcada evolución en el estilo compositivo. Después de alcanzar la fama con tales astringentes, a menudo angustiados, su trineo por las victimas de Hiroshima (1960) y “Passion Según San Lucas” (1965) extendió el lenguaje armónico tradicional y las técnicas orquestales, a partir de mediados de la década de 1970. Penderecki siguió un imperativo personal para avanzar hacia la música tonal más convencional. Su “Sinfonía No. 2” abrazó nociones pre-serialistas de melodía y armonía. Su exploración fértil de un leguaje más tradicional, descrito por algunos como neorromanismo, al seguido caracterizando sus obras desde entonces.

           Penderecki recibió cases de violín y piano cuando era níño. Estudió arte, historia literaria filosofía un la universidad local y también asistió al Conservatorio de Cracovia. Estudió composición privada antes de ingresar a la Academia Estatal de Música de Cracovia en 1954. En 1959, tres de sus composiciones cada una presentada bajo seudónimos, ganaron los primaros premios en una competencia patrocinada por la Unión de Composiciones Polacos. La fama siguió rápidamente. Tanto su Threnody como St. Luke Passion recibieron presentaciones mundiales en números raros para las obras contemporáneo, especialmente las escritas con técnicas tan exigentes: glissandi, agrupaciones tonales, sonidos sin tono, interjecciones habladas, efectos aleatorios y gritos. Las comisiones llegaron en rápida sucesión, se desarrollo una carrera corolario como profesor y, en 1972, Penderecki comenzó a dirigir sus propios trabajos. El primero de los trabajos teatrales de Penderecki “The Devils of Loudon”, se convirtió en una sensación europea en 1969, recibió numerosas actuaciones y generó una considerable controversia. Una segunda ópera, una de escala época, fue encargada por la Chicago Lyric Opera. Paradise Lost (después de Milton) se montó en 1976en una producción inmensamente cara en Chicago e Italia. “Die schwarze Maske” se estreno en1986, seguido en 1991 por la obra cómica “Ubu Rex”. 

           Penderecki ha recibido numerosos honores y premios internacionales. Es profesor de honoren muchos de los conservatorios y escuelas de música más prestigiosos del mundo, así como en varios doctorados honorarios, y ha sido reconocido con órdenes nacionales de naciones como Alemania, Austria y su Polonia natal. Ganó el prestigioso Premio Grawemeyer por su “Adagio para la gran orquesta” en 1992. Ganó los premios Grammy por su “Concierto para violonchelo No. 2” (1987), su “Concierto para violín No. 2: “Metamorphosen” (1998) y su “Crepo, para coro” (2001).

           Desde su debut como director, ha sido una figura respetada en el podio, liderado sus propios trabajos y una variedad de música de otros compositores. La Orquesta Sinfónica de la Radio de Alemania del Norte, Hamburgo, lo contrato como director principal invitado. Aunque no es extraordinariamente prolífico, Penderecki ha acumulado un considerable catálogo de obras orquestales, música de cámara, conciertos y obras corales. Escribió ochos sinfonías entre 1973 y 2008 y ha dedicado mayor atención a la configuración coral de los texto religiosos.                                                                                                            

                                                                  

PÄRT, Arvo (1935)

Biografía

         Paide, condado de Järva, Estonia. Estonia (193

         En 1938, la familia Part se mudó a Rakvere, desde comenzó a estudiar piano en la Escuela de Música Rakvere con IIIe Martín. Después de graduarse de la Escuela Secundaria Rakvere (1954), continuó estudiando música en la Escuela de Música de Tallin bajo Veljo Tormis. Fue e lo servicio militar obligatorio en el ejército soviético (1954 – 1956), después de lo cual, en 1957, continuó en el Conservatorio Estatal de Tallin cuando Haino Eller se graduó en 1963. Varias obras compuestas durante sus años de estudiante aún pertenecen al funcionario, dos sonatinas (1958 – 1959) y “Partita (1958) para piano”, y obras orquestales como “Nekrolog” (1960), “Perpetunnm mobile” (1963) y Sinfonía No. 1 (1963).)                                                  

Período temprano (1958 – 1968)

         También fueron los años de sus primeras composiciones modernistas. La música estonia en la década de 1960 fue formada por una generación entera de composiciones innovadores con un enfoque moderno, aunque algunos años más viejos, además de Pärt, estaban Eino Tamberg, Veljo Tormis, Jaan Raats y su seguidor júnior Kuldar Sink. Casi simultáneamente, a través de su música, todos los estilos más importantes y las técnicas de la composición del siglo XX fueros introducidos a la música estonia: neoclasicismo, dodecafonía, serialismo, sonorismo, técnica de collage y aleatoricismo. Los trabajos de Pärt demostraron ser pioneros en muchas de estas áreas: “Nekrolog” es el primer dodecafónico, “Perpetuum mobile”, el primer sonorista y “Collage über BACH” (1964), el primer trabajo que emplea técnica que collage en la música estonia. Pärt se había convertido en una de las principales figures de la vanguardia soviética. Sin embargo, ninguno de esos estilos permaneció permanentemente en su trabajo ni le interesó durante mucho tiempo; muchas de sus primeras composiciones pueden considerarse más bien como experimentos brillares o pruebas de los límites. Sin embargo, independientemente de los estilos o técnicas elegidos, la obra temprana de Pärt se caracteriza por un concepto puntual y poderoso de dramaturgia, material musical concentrado y forma elaborada, los elementos, que están visiblemente presentes en su música posterior tintinnabuli y, por lo tanto, pueden caracterizarse como la Pilares principales de su pensamiento musical.

         La línea de desarrollo más notable en las primeras composiciones de Pärt son sus collages, que en su caso se expresan de una manera personal y dramática que difiere del carácter lúdico habitual de la técnica del collage. En su Collage über Bach, el”Concierto para violonchelo “Pro et contra” (1966), “Sinfonía No. 2” (1966) y “Credo” (1968), se han enfrentado dos mundos musicales pero también espirituales. Describe esos mundos como separados por un profundo abismo que, al mismo tiempo, anhela trascender. La dodecafonía de Pärt aquí representa la “atmósfera insoportable del alambre de púas” de toda la música modernista, y la búsqueda de bellaza, pureza y perfección se expresa a través de la estilización de la música barroca o citas concretas principalmente de Bach, pero también Tchaikovsky, por ejemplo. Esas obras son testigos de la creciente ansiedad interna y la crisis del compositor. El más extremo y dramático de ellos ges “Credo”, compuesto en 1968: es la renuncia final a todos los medios de expresión utilizados hasta ahora, el punto de inflexión en su obra y en su vida.        

         Paradójicamente, Pärt fue uno de los compositores más productivos y mejor valorados para cine en Estonia durante los años sesenta y setenta. En 1967, en había convertido en un compositor independiente y después de los eventos posteriores a “Credo”, la música cinematográfica fue el único campo en el que Pärt pudo participar abiertamente. Pärt ha compuesto música para muchas películas: “Ukuaru” (1973), dirigida por Leida Laius), “Diamantes”, para la dictadura del proletariado”  (1975, dirigida por Grigori Kromovan), “Navigator Pirx” (1978, dirigida por Marek Piestrak), por nombrar algunos, y también música para películas animadas.

Años de crisis (1968 – 1976) y el nacimiento del “tintinnabuli”

         En 1976, Pärt emergió con un lenguaje musical nuevo y muy original, al que llamó tintinnobuli (de tintunnobulm – latin para “campanita”). El nuevo estilo aparece por primera vez en una pieza corta para piano, “Fär Alina” seguida pronto por obras como “Cantus en Memoria de Benjamín Britten” (1977), “Fratras” (1977), “Tabula rasa” (1977) y “Spiegel im Spriegel” (1978). La música de Tintinnabuli también se puede describir como un estilo en el que el material musical está extremadamente concentrado, reducido solo al más importante, donde el ritmo simple y las melodías progresivas y las voces tintinnabuli triádicas se integran en el complicado arte de la polifonía, expresando.

Después de emigrar (1980 en adelante)

         A partir de 1980 Pärt tuvo que ir al exilio y emigro con su familia Viena. Desde entonces tiene a la nacionalidad austriaca.

Las composiciones vocales, a basadas en textos litúrgicos u otras oraciones cristianas, comprenden una gran parte de su obra. Entre ellos hay muchas composiciones a gran escala para coro y orquesta, como “Passio” (1982), “Stabat Mater” (1985), “Te Deum” (1985), “Miserere” (1989/1992), “Berliner Messe” (1990/2002), “Letonia” (1996), “Kanon pokajanen” (1997), “Como cierva sedienta” (1998/2002) e “In principio” (2003), “Psalom” (1985), ”Orient & Occident” (2000), “Sinfonía    No. 4” (2008), etc.

De vuelta a estonia

         Después de que Estonia recuperó su independencia en 1991, se restablecieron las conexiones entre le familia Pärt.       Durante la última década, además de haber compuesto alrededor de 10 nuevas piezas: “Hommage a Gusteve Eiffel” (2010), “Adem’s Lament” (2010), “Tallin” (2011), “Swansong” (2014) y “Greater Antiphons” (2015)                 

Doctorados honorarios: 12 – Membresías Honorarias: 6 – Membresías 3 – Nominaciones al Grammy 14 –

Otros premios, decoraciones: 20.

REICH, Steve 1936

Biografía

         Compositor estadounidense que fue uno de los principales exponentes del “minimalismo”, un estilo basado en repeticiones y combinaciones de motivo sencillos y armonía. 

         Reich era el hijo de un abogado y un cantante-letrita. Se especializó en filosofía en la Universidad de Cornell (1953-1957) y luego estudió composición en la Juilliard School antes de recibir un grado de maestro de la Universidad Mills (1964), donde tuvo como profesores a los compositores Darius Mihaud y Luciano Beriio. Reich también tocaba instrumentos de teclado y percusión. En 1966, cuando formó su propio conjunto, ya estaba creando composiciones minialistas.

         Al igual que las obras del también minialista Philip Glass, las composiciones de Reich rechazaron la complejidad característica de la armonía y la tonalidad clásicas de mediados del siglo XX para hacer obras a gran escala a partir de materiales mínimos (un acorde único, un breve motivo musical, una exclamación hablada) que se repiten en longitud, con pequeñas variaciones introducidas muy lentamente. Los primeros experimentos con bucles de cinta, documentados en “Va a llover” (1965) y “Come Out” (1966), le permitió a Reich observar patrones rítmicos entrelazados que luego reproduciría de manera composicional. Algunas de sus obras incluso combinaron artistas en vivo y grabados. Reich se inspiró en la música vernácula estadounidense, especialmente en el Jazz, así como en las músicas étnicas y antiguas, estudió tambores africanos en”Ghana” (1970), música de gamuza balines en Seattle y Berkeley, California (1973-74) y canto del Medio Oriente en Nueva York  y Jerusalén (1976-77).

         Las primeras obras de Reich incluyen “Four Organs” (1970) para cuatro eléctricos y maracas; “Drumming” (1971), para pequeños tambores afinados, marimbos, glockenspiel, dos voces, silbidos y piccolo; y “Clapping Music” (1972), para dos pares de manos que aplauden. Poco a poco comenzó a marcar para conjuntos más grandes, y en 1976 completó “Música para 18 músicos”, una pieza estructurada en torno a un ciclo de 11 acordes vibrantes que tal vez sea su composición más conocida: “Tehillim” (1981) marcó la primera configuración de Reich de un texto (los Salmos, cantados en hebreo) y lo siguió con “The Desert Music” (1984), una ambientación de su poema de William Carlos Wlliams anotada para 106 músicas.

         Por “Different Trains” (1988), Reich integró fragmentos de grabaciones de audio perecientes a viajes en tres, incluidas las reminiscencias de los sobrevivientes del Holocausto, con un cuarteto de cuerdas que imitaba el ritmo de un tres y la musicalidad natural de las voces en la cinta. La pieza, interpretada por el “Cuarteto Kronos”, ganó un Premio Grammy a la mejor composición contemporáneo en 1989. Reich luego colaboró con su esposa, el videoartísta Beryl Korot, en dos óperas multimedia: “The Cave” (1993), que explora la herencia religiosa compartida de judíos y musulmanes, y “Three Tales” (2002), una reflexión sobre de tecnología del siglo XX. Su composición “Double Sextet” (2007), arreglado para 12 músicas o para 6 tocando una grabación de ellos mismos, ganó el Premio Pulitzer de Música 2007. En conmemoración del 11 de septiembre de 2001, los ataques contra el Word Trade Center, Reich compuso “WTC 9/11: Para tres cuartetos de cuerdas y voces pregrabadas” (2010), incorporando grabaciones de personal de emergencia y residentes de Nueva York que se realizaron el día de la tragedia. Por su contribución al desarrollo de la música en su conjunto, recibió el premio Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón en 2006.

Obras notables: “Va a llover” – “Diferentes trenes “– “WTC 9/11: Para tres cuartetos de cuerdas y voces pregrabadas” – “Música para 18 músicos” – “Doble Sexteto” – “Salga”

Movimiento/Estilo: Minimalismo

Premias y honores: Premio de la Música Polar (2007) – Praemium Imperiale (2006) – Premio Grammy (1998) – Premio Grammy (1989) – Premio  Pulitzer de Música (2009)                                       

GLASS, Philip (1937)

Biografía

         A través de sus óperas, sus sinfonías, sus composiciones para su propio conjunto y amplias colaboraciones con artistas que van desde Twyla Tharp a Allen Ginsberg, de Woody Allen a David Bowie, Philip Glass ha tenido un impacto extraordinario y sin precedentes en el musical e intelectual. La vida de su tiempo.

         Las óperas, “Einstein en la playa”,”Satyagraha”, “Akhnaaten” y “The Voyage”, entre muchas otras, se presentan en las principales casas del mundo y, rara vez, en un asiento vacío. Glass ha escrito música para teatro experimental y para películas ganadoras de premios de la Academia como “The Hours” y “Kundun” de Martín Scorsese, mientras que “Koyaanisqetsi”, su paisaje cinematográfico inicial con Godfrey Reggio  y Philip Glass Ensemble, es el más El apareamiento radical e influyente del sonido y la visión desde “Fantasía”. Sus asociaciones, personales y profesionales, con destacados artistas de rock, pop y músicas del mundo se remontan a la década de 1960, incluido el comienzo de su relación de colaboración con el artista Robert Wilson. De hecho, Glass es el primer compositor en ganar una amplia audiencia multigeneracional en la ópera, la sala de conciertos, el mundo de la danza, en el cine y en música popular, al mismo tiempo.

         Nació en 1937 y creció en Baltimore. Estudió en la Universidad de Chicago, en la Juillard School y en Aspen con Darius Milhaud. Encontrándose insatisfecho con gran parta de lo que luego pasó por la música moderna, se mudó a Europa,  donde estudió con la legendaria pedagoga Nadia Boulanger (que también enseño a Aaron Copland, Virgil, Thomson y Quincy Jones) y trabajó estrechamente con el virtuoso del citar y el compositor Ravi Shankar. Regresó a Nueva York en 1967 y formó el Philip Glass Ensemble: siete músicas tocaban teclados y una vaciedad de instrumentos de vierto, amplificados y alimentados a través de un mezclador.

         El nuevo estilo musical que Glass estaba evolucionando fue eventualmente apodado “minimalismo”. Al propio Glass nunca le gustó el término y prefirió hablar de sí mismo como un compositor de “música con estructuras repetitivas”. Gran parte de su trabajo inicial se asoné la reiterada reiteración de Fragmentos melódicos breves y elegantes que se introducen dentro y fuera de su tapiza auditivo. O, para decirlo de otra manera, sumergió a un oyente en una especie de clima sonido que gira, gira, rodea, se desarrolla.

         No ha habida nada “minimalista”, en su producción. En los últimos 25 años, Glass ha compuesto más de veinte óperas, grandes y pequeñas; diez sinfonías (con otras ya en camino); dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, temblaos y cuarteto y orquesta de saxofón; desde bandas sonoras hasta películas que van desde nueva partituras para los clásicos estilizados de Jean Cocteau hasta el documental de Errol Morns sobre el ex-secretario de defensa Robert McNamara; cuartetos de cuerda. Un cuerpo creciente de obras para piano solo y órgano. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma y Doris Lessing, entre muchos otros. Presenta conferenciado, talleres y presentaciones de teclado solo en todo el mundo, y continua apareciendo regularmente un Philip Glass Ensemble.   

ADAMS, John (1947)

Biografía            

         John Adams, en su totalidad John Coolidge Adams, nacido de 1947 en Worcester, Massachussets. EE.UU. Compositor y director de orquesta estadounidense cuyas obras se encontraban entre las más interpretadas de la música clásicos contemporáneos.

         Adams llegó a dominar el clarinete a una edad temprana (a veces trabajaba de forma independiente con la “Boston Symphony Orchestra” y actuaba con otros grupos) y en su adolescencia estaba componiendo. Sus profesores en la Universidad de Harvard (AB. 1969; MA, 1971) incluyeron a Leon Kirchner y Roger Session. Adams fue el primer estudiante de Harvard que pudo presentar una composición musical como tesis de honores. Después de graduarse, se mudó a California, donde de 1972 a 1982 enseñó en el Conservatorio de Música de San Francisco, y fue compositor residente de la orquesta desde 1982 hasta 1985. Desde 2003 hasta 2007 ocupó la cátedra de compositor en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York. Donde fundó el festival ecléctico y diverso “In Your Ear”. Cada vez más a medida que se desarrollaba su carrera, dirigió actuaciones de música por si mismo y por otros, trabajando con organizaciones como la Chicago Symphony Orchestra, la Clevelang Orquestra, la Concertgebouw Orquestra (Ámsterdam), y la London Symphony Orquestra.

         Aunque sus primeras composiciones tenían un estilo académico, Adams pronto comenzó a recurrir a fuentes mucho más amplias, como el pop, el jazz, la música electrónica y el minimalista. Su uno de técnicas minimalista, caracterizadas por la repetición y la simplicidad, llegó a ser moderado por elementos expresivos, incluso neo-románticos. Sus obras abarcan una amplia gama de géneros e incluyen “Shaker Loops” (1978), música de cámara para cuerdas septenas; “Harmonium” (1980) una cantata para coro y orquesta que utiliza la poesía de John Donne y Emily Dickinson; “Grand Pianola Music” (198182), una reelaboración de la música popular estadounidense de principios del siglo 20 para el conjunto instrumental, tres sopranos y dos piano; “Harmonielehre” (1984-85), para orquesta, un homenaje a Arnold Schoenberg, cuya música era la antítesis del minimalismo, y “Wound-Dresser” (1988), para barítono y orquesta, un trabajo basado en los poemas de Walt Whitman sobre su experiencia como enfermero en la Guerra Civil Americana. Una de las obras orquestales especialmente populares de Adams fue la fanfarria “Short Ride in a Fast Machine” (1986). La grabación de otra orquestal popular, “El Dorado” (1991), ganó un Premio Grammy de 1997. Las obras posteriores a gran escala incluyen el “Concierto para violín” (1993) y “My Father Knew Charles Ives” (2003), para orquesta, que alude a las obras de Ives y los métodos compositivos.

         Las obras más ambiciosas de Adams, sin embargo, fueron sus óperas. Los dos primeros fueros creados en colaboración con el director Peter Sellars, la poeta Alice Goodman y el coreógrafo Mark Morns. “Nixon en China” (1987), tomó como tema la visita del Presidente de los Estados Unidos. Richard M. Nixon a China a 1972. “The Death of Klinghoffer” (1991) se basó en el secuestro por parte en terroristas palestinos del crucero “Aquille Lauro” en 1985 y el asesinato de un pasajero judío discapacitado.

         La tercera ópera del compositor, “Doctor Atomic” (2005), fue la historia de los científicos en Los Alamos, NM, EE.UU., Quienes durante la Segunda Guerra Mundial idearon la primera bomba atómica. Sellars recopiló el librete de una variedad de fuentes, incluida la poesía favorita del físico de Los Álamos, J. Robert Oppenheimer, así como documentos gubernamentales desclasificados de la época.

         En una desviación de su declaración de 2005 de que “si la ópera realmente va a ser parte de nuestras vidas… tiene que tratar con temas contemporáneos”, Adams fundó su cuarta ópera, “A Flowering Tree” (2006), sobre cuento, populares del sur de India; De nueva Sellars fue su colaborador. La obra fue creada en homenaje a Mozart, tomando como inspiración “La flauta mágica” (1791).

         Las óperas de Adams se han realizado con regularidad, y se han grabado; “Nixon en China” ganó un premio Grammy de 1988. Varios críticos han encontrado que están entre las óperas contemporáneas más significativas. Adams creó obras orquestales y corales a partir de sus partituras de ópera, incluyendo “The Nixon Tapes” (1987), para voces y orquesta, y “Doctor Atomic Symphony” (2005). “El Chaiman Dances”, subtitulado “Foxtrot for Orquestra””, que fue escrito para “Nixon en China” pero que se eliminó de la partitura final, se convirtió en una de las obras orquestales más interpretas por Adams.

         Después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, la Orquesta Filarmónica de Nueva York y el Centro Lincoln para las Artes Escénicas en la ciudad de Nueva York encargaron un trabajo a Adams: “En Transmigration of Souls”, para orquesta, coro, coro infantil y banda sonora pregrabada, interpretada por primera vez el 11 de septiembre de 2002. El texto del trabajo proviene de tres fuentes fragmentos de avisos publicados por amigos y amigos en el sitio del World Trade Center: familiares de los desaparecidos, entrevistas publicadas en el New York Times y nombres de víctimas elegidos al azar. Por esta composición, Adams fue galardonado con el Premio Pulitzer 2003 en música. La grabación ganó tres premios Grammy 2004.

         Adams recibió muchos otros honores y premios también. Fue elegido miembro de Academia Americana de Artes y Letras en 1997 fue nombrado Compositor del Año por la venerable revista Musical América. Un festival en su honor en el Lincoln Center en abril y mayo de 2003 fue el festival de compositor más extenso que se haya celebrado allí.